2010 年代のパンク & エモベストアルバム 100

Per ulteriori elenchi del decennio, vedere 100 migliori album rap e R&B degli anni 2010.quasi come

さらに 10 年間のリストについては、2010 年代のベストラップおよび R&B アルバム 100 枚を参照してください。

1970 年代以降のほとんどの十年と同様、2010 年代はパンクロックとその多くの派生にとって素晴らしい 10 年でした。この10年間の最高のパンクレコードの中には、大規模なスケールで非常に目立つものもありましたが、他の多くのレコードはもう少し掘り下げましたが、存在していました。それは「エモリバイバル」の 10 年、反トランプパンクの 10 年、そしてインディーロックが他のインディーロックと同様にポップパンクやエモからもインスピレーションを受けることが多かった 10 年でした。新しいバンドはメンバーが 10 代後半から 20 代前半のときに流行る傾向があり、その年齢層はブリンク 182、グリーンデイ、ウィーザーやその仲間たちのようなバンドを通じてアンダーグラウンドロックを発見することが多かったので、それは当然のことです。過去 10 年間のアンダーグラウンドロックを通じて、それらのバンドのサウンドが共鳴していたということを。

このリストのアーティストは、パンク、エモ、ハードコア、ポストハードコア、スクリーモ、メタルコア、ポップパンク、ノイズパンク、ガレージパンク、スカパンクなどに分類されるバンドを含む、パンクのあらゆる分野から集まっています。明らかにパンクやエモであるものもあれば、インディーロックからフォーク、メタル、オルタナティブロック、ポップスまで、すべてにきちんと当てはまるものもあります。このリストの一部のアーティストには、パンクやエモとして数えられない他のアルバムがあり、このリストの一部のアルバムは明らかにジャンルに反しているが、そのジャンルへの影響が十分に強く、常にその一部に含まれるアーティストの作品です。ザ・カンバセーションの。このリストに載っているすべてのアーティストがパンクとエモを記録するリストの対象となるべきかどうかについては、おそらく一日中議論できるでしょう。時々、以下の個々のアルバムの宣伝文句の中でそれについて議論しますが、私はそれについて口論するのにあまり多くの時間を費やしたくないのです。パンクロックとは感覚であり、どのバンドとツアーするか、どのレコードレーベルに所属するかによって決まるものではありません。アルバムがこのリストに載っている場合、それはパンク/エモ/その他の世界の一部であるか、またはそれに大きな影響を与えていると思います。

最後に、100 枚のアルバムは実際には非常に小さなサンプルサイズであることを覚えておく価値があると思います。 2010 年代には、おそらく毎年少なくとも 100 枚の素晴らしいパンク/エモ/その他のアルバムが存在していました。これは、私が今でも最も共感を呼ぶと感じたもののリストをまとめたある人の試みです。このようなリストの場合と同様、10 年前のクラシックと先月発売されたアルバムを比較するのは困難ですが、最善を尽くしました。

100 件すべてをお読みください (宣伝文句は #50 から始まります)...

100. Weatherbox - Flies In All Directions (トリプルクラウン、2014)

99. 破壊部隊 - ディープ・トリップ (セイクリッド・ボーンズ、2013)

98. 起きているけどまだベッドにいる – 人々が低自我と呼ぶもの?-自尊心とは、実際には、他の人があなたを見るように自分自身を見ることです (Tiny Engines、2018)

97. 子孫 – ハイパーカフィウム・スパツィネート (エピタフ、2016)

96. ザ・アームド - オンリー・ラブ (Throat Ruiner、2018)

95. 状態の欠陥 - 共鳴 / 絶望的 (No Sleep、2013)

94. ジェラルド・ウェイ - 躊躇するエイリアン (ワーナー/リプライズ、2014)

93. Glassjaw - マテリアルコントロール (Century Media、2017)

92. 流砂 - インテリア (エピタフ、2017)

91. ライナー・マリア - S/T (ポリビニール、2017)

90. Defeater - Empty Days & Sleepless Nights (ブリッジ・ナイン、2011)

89. 麻薬教会 – チア (ピュアノイズ、2018)

88. Birds In Row – We Already Lost the World (デスウィッシュ、2018)

87.アメリカンナイトメア – アメリカンナイトメア（ライズ、2018）

86. ハンク・ウッド＆ザ・ハンマーヘッズ - ステイ・ホーム (Toxic State、2014)

85.Ex Hex - Rips (マージ、2014)

84. ブリー - フィールズ・ライク (コロンビア、2013)

83. You Blew It - アーベンドロット (トリプルクラウン、2016)

82. ファックド・アップ - デビッド・カムズ・トゥ・ライフ (マタドール、2011)

81. シングルマザーズ - シングルマザーズ EP (シークレットヴォイス、2011)

80. フューリー - 失敗したエンターテイメント (Run For Cover、2019)

79. ラ・ディスピュート - 野生動物 (ノー・スリープ、2011)

78. ワイルドフラッグ - ワイルドフラッグ (マージ、2011)

77. コナー・オバースト - 反芻 (Nonethat、2016)

76. Converge – The Dusk In Us (エピタフ、2017)

75. Vein - Errorzone (クローズド・キャスケット・アクティビティー、2018)

74. ジュリアン・ベイカー – ターン・アウト・ザ・ライト (マタドール、2017)

73. トゥーシェ・アモーレ - ステージ4 (エピタフ、2016)

72. Citizen – Everybody Is Going To Heaven (Run For Cover、2015)

71. スーパーヘブン - Ours Is Chrome (SideOneDummy、2015)

70. ジョイス・マナー - あらゆるものの私はすぐに疲れてしまう (アジアン・マン、2012)

69. 罪悪感の描写 – 痛みをガイドにしましょう（Gilead Media、2018）

68. ガウジ・アウェイ - バーント・シュガー (デスウィッシュ、2018)

67. ジェフ・ローゼンストック – 心配です。 (サイドワンダミー、2016)

66. アップルシード・キャスト - 無常の儚い光 (グレイブフェイス、2019)

65. コード・オレンジ - Forever (ロードランナー、2017)

64.Wavves - キング・オブ・ザ・ビーチ (ファット・ポッサム、2010)

63. ジミー・イート・ワールド - インテグリティ・ブルース (RCA、2016)

62. PUP - 夢は終わった (SideOneDummy、2016)

61.Everyone Everywhere -Everyone Everywhere (2012) (セルフリリース、2012)

60. 葉っぱの大きな山 - あなたはいつも私の心の中に (Topshelf, 2013)

59. ダウンタウン・ボーイズ - 完全共産主義 (ドン・ジョバンニ、2015)

58. 中に入る。その上に。 - スタンダード (トリプルクラウン、2016)

57. ターンオーバー - 周辺視野 (Run For Cover、2015)

56. ザ・インタラプターズ – ファイト・ザ・グッド・ファイト (エピタフ、2018)

55.ジョイス・マナー - 二度と二日酔いはしない（エピタフ、2014）

54. マイナス・ザ・ベア - OMNI (デンジャーバード、2010)

53. キャラベル - ラクーナ (トップシェルフ、2013)

52. 行方不明 - パヨラ (エピタフ、2015)

51. Knocked Loose - ア・ディファレント・シェイド・オブ・ブルー (ピュア・ノイズ、2019)

50. モダン・ベースボール - 君はすべてを見逃してしまう (Run For Cover、2014)

歴史は繰り返され、モダンベースボールのディスコグラフィーの物語は、これまで語られた中で最も古いエモストーリーの 1 つです。彼らは、すぐに多くの人々を魅了した、粗削りで不完全だが魅力的なデビュー作（2012年の『スポーツ』）からスタートし、その後、ひねりを解消し、10代の感情を直接反映した、際限なく引用できるシンガロングの準備ができた続編を発表した。そしてすぐにエモのクラシックになり（2014年の「You're Gonna Miss It All」）、その後彼らはより「成熟した」フォローアップを作り、その後休止しました（2016年のHoly Ghost）。現在、彼らのシンガーの一人はソロプロジェクトから転向し多作なバンドを結成しており（ジェイク・エワルド率いるスローター・ビーチ、ドッグにはMoBoのベーシスト、イアン・ファーマーもメンバーに含まれている）、もう一人はとらえどころのない存在である（ブレンダン・ルーケンス）。歴史が繰り返されるなら、彼らはおそらく近いうちに再結成し、おそらく別のアルバムを書くことさえあるだろう。前作『スローター・ビーチ・ドッグ』アルバムのダークな雰囲気を踏まえると、『ホーリー・ゴースト』で始まった成熟を完璧にするために『モダン・ベースボール』が戻ってきたとしても驚かないだろうが、『ユー・アー・ゴナ・ミス・イット・オール』はそうなるだろうとも疑っている。彼らのファンが最も切望しているアルバム。祖先のゲット・アップ・キッズやプロミス・リングと同様、その後のキャリアの成熟は素晴らしかったが、パンチの効いたクラシック・アルバムのようにエモ・コミュニティ全体の心を掴むことはなかった。しかしまた、『You're Gonna Miss It All』は実際のところ、エモ・リバイバルの『Nothing Feels Good』や『Something To Write Home About』というよりは、『Tell All Your Friends』に近いように感じられる。このアルバムは、曲が流れるたびに人々が心を掴み、すべての歌詞を叫びたくなるようなアルバムだ。音楽的には、モダン・ベースボールはそれらのバンドのどれからも実際にメモを取っているわけではありませんでした（彼らはどちらかというとウィーカーサンズやマウンテン・ゴーツに似ていました）、しかし感情はそれが得られるのと同じくらい古典的なエモでした。そしてこのアルバムは、多くのファンが長年にわたって抱いてきたように、捉えられるに値する。この曲は簡単にキャッチーで、2010 年代初頭から中期に成人を迎えた人の感情や不安を完璧に捉えています。このアルバムは皮肉屋があなたに「成長する」ことを期待するようなアルバムだけど、このエモ・リバイバル作品全体から我々が何か学んだことがあるとすれば、それはあなたがこの作品から本当に成長することは決してないということだと思う。

49. 木曜日 - 退廃はない (エピタフ、2011)

サーズデイはこの1年を20周年記念アルバムの制作に費やし、アルバム『Full Collapse』（2001年）と『War All the Time』（2003年）をフルで演奏した。彼らのファン層の大部分は、これらの 2 枚のアルバムを永遠にベストだと考えているので、サーズデイがこれらのアルバムを選ぶ理由は簡単にわかります。彼らは間違いなく木曜日の最もクラシックなサウンドを最も象徴しているが、木曜日はそのサウンドの成長と拡大を決して止めなかったバンドの1つであり、木曜日のスタジオ出力が最高の状態で終了したと思う日がまだある。 2006年の『A City by the Light Divided』では、プロデューサーのサル・ヴィラヌエバ（最初の3枚のアルバムを手掛けた）との関係を解消し、フレーミング・リップスのコラボレーターであるデイヴ・フリッドマンとの関係をスタートさせた。フリドマンは、木曜日に彼らのサウンドをより雰囲気のある、よりアートなロックの方向に導くのを手助けした。それは『A City by the Light Divided』から始まり、2011年の『No Devolución』で完成した。このアルバムは最初の解散前にリリースされた最後のアルバムである（そして今でも彼らの最後のアルバムである）ポイント）。より雰囲気のある雰囲気は『A City by the Light Divided』（そして、程度は低いが、2009年の『Common Existence』でも）でほのめかされていたが、このアルバムは、彼らがポストロック、インダストリアル、アートロック、その他のサウンドを完全に受け入れていることを示したアルバムだった。それはバンドのポスト・ハードコアのルーツからの明確な進歩を示した。木曜日のそれは、2000年代初頭よりも2000年代初頭のデフトーンズのように聞こえたが、それでも間違いなく他のバンドの作品ではなかった。ジェフ・リックリーの歌声はこのアルバム以上に優れており、バンドのアレンジメントはこれまでのどのアルバムよりもアンドリュー・エバーディングのキーボードを顕著に使用しており、最も野心的で最も正確なものであった。このアルバムは『フル・コラプス』からほぼちょうど10年後（正確には10年と2日）にリリースされたもので、バンドの躍進を白鳥の歌と比較するのはまさに旅行だ。彼らの画期的なアルバムが10周年を迎える頃には、多くの同業者が勢いを失い始めていたが、サーズデイはフル・コラプスや2000年代初頭のエモの他のレコードでは実際には聴くことのできなかった創造性と芸術性のレベルに近づいていた。 /ポストハードコアブーム。ジャンルの人気が下火になったにもかかわらず、彼らは限界に挑戦し、彼らを生み出したシーンがほぼ分裂していた時期に最高の作品をリリースした。

48. ホテル経営者 - ホーム、まるでどこにもない場所 (Tiny Engines、2014)

2000 年代半ばのエモは批判を浴びていますが、否定できないことの 1 つは、そのサウンドが必要な場合、他に何も機能しないということです。バンドのリズムセクションが猛烈な勢いで疾走する中、歌手が高音域で声が割れそうになるまで叫びながら歌う、あの胸が高鳴るような感覚を与えてくれるものは他にはありません。そしてそれこそが、The Hotelierがこのアルバムの今や象徴的な長大なイントロソングを作り上げるのに費やしたものなのだ。そして、次の曲の冒頭で、今度はさらに大きな音で同じことを繰り返します。それはほとんど「罪深い快楽」の領域に近づいている――そんなことを信じているのなら――だが、The Hotelierは『Home』の残りの部分、『Like Noplace Is There』を通じて、彼らがただの2000年代半ばスタイルのエモ・バンド以上のものであることを証明している。。フォークパンク風の「In Framing」から、雰囲気のあるスローバーンの「Among the Wildflowers」、90年代のスクリーモ・リバイバルの「Life In Drag」まで、ホームはホテル経営者がほぼ何でも試してみることができ、それをマスターするだけではないことを証明しました。しかし、それを自分のものに変えてください。『ホーム』は、さらに優れた次作『グッドネス』に比べると焦点が絞られていないアルバムだが、このアルバムでもクリスチャン・ホールデンとバンドの残りのメンバーは強力でユニークな声を見つけることに成功している。マイナーなバンドがこのような取り組みをすると、批評家はそれを「バラバラ」と呼びます。ホテル経営者がそれを行ったとき、それは啓示でした。

47. ザ・ワールド・イズ・ア・ビューティフル・プレイス＆アイ・アム・ノー・アフレイド・トゥ・ダイ - Whenever, If Ever (Topshelf, 2013)

エモのリバイバルから生まれた最高のバンドが誰かを言うのは難しいが、The World Is a Beautiful PlaceとI Am No Longer Afraid to Dieは間違いなく最もユニークだ。エモどころか、どんなジャンルでもこれほどのバンドは他にいない。彼らはインディーロックやポストロックバンドと同じくらい、フォークからメタル、ハードコア、チェンバーポップ、スポークンワード、ジョンケージの「カバー」まで、何でも手を出しそうなバンドです。彼らの回転ドアのラインナップは常に変化しており、2013 年のデビューアルバム『Whenever, If Ever』のラインナップは現在のものとほとんど似ていませんが、どういうわけか常に強いアイデンティティを維持しています。 TWIABPは、好評を博したいくつかのEPやスプリットのおかげで、このアルバムを作る前からすでにエモシーンで確立されたバンドであり、厳密にはこれが彼らにとって初のフルレングスではあるが、これを何かの「デビュー」と呼ぶのは奇妙に感じる。おそらくこれは、共同創設者でオリジナルリードシンガーのトム・ディアス（残念ながら予期せぬことにバンド脱退から6年後の2018年に亡くなった）との最後のリリースという方が正確かもしれない。トムの声は初期TWIABPの大きな魅力だったが、彼らはそのサウンドをさらに完成させ、新しいリードシンガーのデヴィッド・ベロ（2012年に加入し、Whenever, If Everの完成に貢献した）とともに人気を高めることに成功したが、これは多くのバンドにとって厳しいことだったしかし、TWIABPはそれをやり遂げました。でも、私は先を行っています。そのようなことが起きる前に、彼らは初期のEPからの明確な進歩を遂げた『Whenever, If Ever』をリリースしたが、その後の2枚のアルバムよりもまだ欠陥があった。未完成のアイデアのように感じる部分もあり、アルバムに戻るときにスキップしてしまう曲もありますが、高音が低音をはるかに上回っており、このアルバムをエモ復活の最も重要なドキュメントの1つにしています。ここは「Picture of a Tree That Doesn't Look 大丈夫」の本拠地であり、ロックミュージックの 7 つのサブジャンルを 1 つの曲に収めながらも人々が望むものを生み出すというバンドの初期の (そして今でも最高の) 例の 1 つです。一緒に歌ってください。ここはシンガーソングライター風の「Gig Life」の本拠地であり、この曲はバンドのディスコグラフィーの中で最も美しい曲の 1 つであるだけでなく、2 番目のコーラスで Rival Schools と mewithoutYou について言及していることで追加点を獲得しています。しかし、このアルバムの最高の瞬間は、その最後の曲、7分間の「Getting Sodas」だ。これは、TWIABPがポスト・ロッキーな側面を探求し、それを彼らの最も高揚感のあるボーカル・メロディーや歌詞と組み合わせた、後期アルバムのいくつかの長大な曲のうちの最初のものである（「I Can Be Afraid of Anything」、「Mount Hum」、「Marine」）タイガース」と「無限のスティーブ」もすべてこれに続きました）。この戦術は TWIABP の特徴的な動きの 1 つとなり、TWIABP を他の企業よりも際立たせた多くの点の 1 つになりました。彼らは何年にもわたってその種の曲を新たな高みに引き上げたが、2013年以来彼らが達成してきたすべてを考慮しても、「Getting Sodas」は聴くたびにバンドの最も息を呑むような曲の1つであり続けている。

46. ジュリアン・ベイカー – 足首の捻挫 (6131、2015)

私たちが初めてジュリアン・ベイカーのプレーを観たのは、彼女がナショナルサイドプロジェクトEL VYの3公演のうちの最初のオープニングを務めていたときで、彼女はチケットが完売してからかなり経ってからショーに追加されたので、見るためにチケットを買った人は誰もいなかったと言っても過言ではなかった。彼女。彼女のデビュー・アルバム『足首捻挫』は数週間前に発売されたばかりで、ジュリアンがそのアルバムの当時あまり知られていなかった曲を自分のギターと声だけで演奏すると、数百曲を含むセット全体で観客を沈黙させた。おそらく初めて彼女の言葉を聞いたであろう人々。そのショーで、ジュリアンと足首捻挫には明るい未来があることがすぐに明らかになり、事態はまさにその通りになった。ジュリアンが大手マタドール・レコードと契約し、さらに広く評価された『ターン・アウト・ザ・ライツ』をリリースする頃には、『足首捻挫』はすでにクラシックのように感じられていた。現在、ジュリアンは定期的にEL VYの前座を観たときよりも大きな部屋のヘッドライナーを務めている（ソロアーティストとして、またフィービー・ブリジャーズやルーシー・デイカスらとのボイジーニアスのメンバーとして）。それはすべて、捻挫した足首が開いた扉のおかげだ。彼女は多くのカバーやコラボレーションを通じて、90 年代のエモ、クラシックなフォークやカントリー、現代のインディーなどの間の橋渡しに貢献し、その過程で彼女自身の力となってきました。ジュリアンの影響を引用する新しいアーティストがすでに登場し始めていますが、それはまったく驚くべきことではありません。ジュリアンの音楽、特に『足首捻挫』では、前述したあらゆるスタイルの音楽やその他のスタイルの中に新鮮な空気を吹き込んだように感じられました。

45. ジェフ・ローゼンストック - POST- (ポリビニール、2018)

ジェフ・ローゼンストックのような話を毎日聞くことはありません。スカパンクバンド「The Arrogant Sons of Bitches」と「Bomb the Music Industry」のフロントマンとして活動中！ -- とりわけ -- ジェフは 90 年代に遡る確立された音楽をリリースしており、常に真に熱狂的なファンベースを持っています。その後、2010 年代半ばからフルタイムでソロキャリアに注力し始め、このリストの候補となる 3 枚のアルバムをリリースし (そのうち 2 枚がランクイン)、それぞれが前回よりも優れたものでした。ソロ・アルバムはスカよりもインディー・ロック寄りだったので、当然のことながら、ジェフが音楽評論家からこれまでよりも少しだけ注目されるようになったが、それはジェフにとっても、彼のバンドにとっても、彼の人生にとってもそれほど重要ではないと私は思う。コアなファン層。彼と彼のバンド仲間は、どれほど多くの人が注目していても、さまざまなバンドで演奏する真の人生者です。たまたま、ジェフのソロキャリアが本当に急上昇し始めたのです。彼は、このリストに載っている多くの新しいアーティスト（メンバー全員が POST- に貢献した PUP など）と同じように定期的に言及されており、20 年以上音楽を発表してきた彼にとって、これはかなり印象的です。インディー・パンクのサウンドとスマイル時代のビーチ・ボーイズの野心をミックスした非常に野心的な2016年のアルバム『WORRY.』に続き、ジェフは同様のタイプの怒りをよりコンパクトなLPに落とし込んだ『POST-』をリリースした。「WORRY.」と同様、「POST-」は途方もなくキャッチーだが決して洗練されておらず、過度に説教臭さや政治的になることなく、この曲がリリースされた疲れ果てた時代を再現している。心配。『』はキャリアベストアルバムのようなもので、多くのアーティストがその後長い休止期間を経て、二度とその高みに戻ることはありません。しかし、ジェフ・ローゼンストックはわずか 14 か月後に、より厳しく、より良く、より速く、より強力なフォローアップを携えて戻ってきました。それは、これまでのキャリアの中で、最近の予想外の動きだった。

44. ジェレミー・エニック – Ghosts (セルフリリース、2017)

2010年代の「エモ・リバイバル」により、90年代の主要なエモ・バンドのほぼすべてが冬眠から覚めたが、その中でも最も影響力のあるバンドの1つであるサニー・デイ・リアル・エステートは復活の表面をなぞっただけだった。彼らはリバイバル全体が本格化する前の2009年にツアーのために再結成し、2010年以来再演奏していない。彼らは新しいアルバムを計画していたが、2014年に分割してリリースされたセッションからの1曲を除いて実現しなかった。サーカ・サバイブで。（SDREのドラマー、ウィリアム・ゴールドスミスはアルバムが保管庫にあると主張しているが、ベーシストのネイト・メンデルはその主張を否定している。） SDREの正式なカムバックの代わりに、とらえどころのないフロントマンのジェレミー・エニックは静かにソロのキャリアに集中し、しばしば人々の生活の中でソロアコースティックショーを行った。たとえば『ジョーブレイカー』や『アメリカン・フットボール』のようにメディアの注目を集めることもなかった。その後、彼はついに2009年以来初のソロ・アルバム『Ghosts』を静かにセルフ・リリースした。それは、サニー・デイ・リアル・エステートの1998年の名作『ハウ・イット・フィールズ・トゥ・ビー・サムシング・オン』の精神的な続編のように感じられる、瑞々しいサウンドのフルバンド・レコードだった。このアルバムには、サニー・デイ・リアル・エステートのアルバムほどの知名度はなかったし、レーベル（ジェレミーの1996年のソロ・デビュー作『リターン・オブ・ザ・フロッグ・クイーン』を2018年に再発したサブ・ポップのような）が与えられたであろうプッシュもなかった。、しかし、それはSDREの最高の作品のほとんどと同等であることを妨げませんでした。これは彼のディスコグラフィーの隠れた宝石であり、彼がここ数年でリリースしたものの中で最高のものだ。

43. シンバルはギターを食べる - LOSE (Barsuk、2014)

シンバルズ・イート・ギターズのファンの中には、90年代のインディー・ロックで話題となり、2009年にリリースされたデビュー作『ホワイ・ゼア・アー・マウンテンズ』がたった1枚のアルバムで驚異だったと考えているファンも今でもいるが、メインストリームのインディー・ロック界への関心が次のようなバンドから離れていくにつれて、シンバルズ・イート・ギターズ、本当に本当に良くなり始めた。彼らは Why There Are Mountains に何度も勝っており、その頂点は 2014 年の LOSE でした。より実験的なセカンドアルバム（2011年のレンズズ・エイリアン）の後、LOSEではシンバルズ・イート・ギターズが、人々に「エモ」のタグを付けられるような大きくて急上昇するコーラス（「ワーニング」、「チェンバーズ」）に全力で取り組みながらも、柔軟な姿勢を見せた。プログレの筋肉質 (「ララミー」) や、本物のパンクにも飛び込みます (「XR」)。インディーズ誇大広告マシンは注目を集めなくなったかもしれないが、ケビン・ディヴァインやセイ・エニシングのようなベテランのエモ・ミュージシャンが注目し、『LOSE』のリリース後になぜ彼らがこれに惹かれるのかを理解するのは難しくなかった。（そして、エモキッズがようやく理解できるようになると、CEGはスプリングスティーンニアン・プリティ・イヤーズで再び変化球を投げた。）シンバルズ・イート・ギターズは2010年代で最も誤解され続けたロック・バンドの一つだったのかもしれないが、もし彼らがそうでなかったらどうしようもない。最も素晴らしいものの一つでもあります。

42. 叫ぶ女性 - 醜い (ドン・ジョバンニ、2012)

スクリーミング・フィメールズは、この10年間で最も一貫して偉大であり、一貫して過小評価されているパンク・バンドの1つであり、実際、過去10年間に彼らがリリースしたすべてのアルバムがこのリストにランクインする可能性がありました。彼らのようなサウンドを奏でる人間は他に誰もおらず、マリッサ・パターノスターのようにシュレッダーで歌う人はほとんどいないし、彼女のように歌う人もおそらくゼロだろう。スクリーミング・フィメールズのライブ・ショーは常に彼らを体験する最良の方法だが、スタジオでショーの迫力を再現するのに最も近かったのは2012年の『アグリー』だった。この曲はスティーヴ・アルビニによって録音されたもので、彼は硬派で飾り気のないロックのレコード作りに精通しており、まさにスクリーミング・フィメールズに最もふさわしい種類のレコードだ。アグリーには、最高のフック、最もヘヴィなリフ、そして最も激しいギターソロがいくつかあります。それは、何の抵抗もなく、最も精力的なスクリーミング・フィメールです。

41. Cloud Nothings – Here and Nowhere Else (Carpark、2014)

クラウドナッシングスは、2012 年のアタックオンメモリーで、賑やかなローファイバンドから、この 10 年間で最も強力なポストハードコアバンドの 1 つに移行しました。物事をこれほど劇的に変えるのは危険な行為だったが、それはうまくいき、そのアルバムに続いて『Here and Nowhere Else』をリリースする頃には、彼らは新しいサウンドに完全に落ち着いていた。『アタック・オン・メモリー』では、自分たちのキャリア全体を揺るがそうとしていることを知っているバンドの飢えと意図を聞くことができます。 Here and Nowhere Else は、うまくいったことを示すビクトリーラップのようでした。この作品は前作と非常によく似た方式に従っており、無駄のない8トラック、1曲の長めのノイズロック曲（「パターン・ウォークス」）、甘いフックとザラザラした攻撃性の間を行き来する曲が含まれている。ただし、Here と Nowhere Else には違いもありました。クラウド・ナッシングスは過去2年間、よりアグレッシブな新曲をライブで演奏することに費やしてきたが、『ヒア・アンド・ノーウェア・エルス』のためにスタジオに入った頃には、彼らの演奏はより速くなり、ディラン・バルディはより自発的に叫ぶようになり、秘密兵器のジェイソン・ゲリッチは、さらに激しくドラムを叩きます。彼らはバンドとしてさらに固まり、ディランのソングライティングの単なる器ではなく、非常に緊密なユニットになったという事実に頼ることができました。そうは言っても、ソングライティングも改善されており、『アタック・オン・メモリー』は依然としてクラウド・ナッシングスの総合的なベスト・アルバムであるが、『ヒア・アンド・ノーウェア・エルス』には最高の曲「I'm Not Part of Me」がある。前作の「Stay Useless」や「Fall In」をさらに肉付けしたようなもので、パンクのエネルギーに駆られた完璧なポップソングだが、完全に「ポップパンク」ではない。このインディー・パンクのムーブメントがすっかり忘れ去られてから何年も経った今でも、人々は歌い続けるような曲だ。

40. ザ・フロント・ボトムズ - 鷹の爪 (バー/なし、2013)

モダン・ベースボールと同様に、ザ・フロント・ボトムズは、ウィーカーサンズとマウンテン・ゴートの比較を正当に評価するために、十分なアコースティック・ギターと鼻にかかる冗長な歌詞を採用した。しかし、『モダン・ベースボール』が若者の不安を利用したのに対し、ザ・フロント・ボトムズ――すでにしばらく活動しており、ブレイクする前に数枚のアルバムをリリースしていた――は、曲の中にウインクのようなところがあり、より昔を振り返っているように見えた。リアルタイムで生きるよりも青春を。 Japandroids、Beach Slang、The Menzingers などのバンドとともに、彼らは「私たちがこのように感じたときのことを覚えていますか?」と尋ねることができました。「私たちのお気に入りの音楽がこんな風に聞こえたときのことを覚えていますか?」同時に。しかし、これらのバンドが常に大音量で轟音を立てて歪んだギターにこだわっていたのに対し、ザ・フロント・ボトムズの音楽は「もしトム・デロングがU2の代わりにニュートラル・ミルク・ホテルに入ったらどうなるだろう？」という答えを与えてくれたようだった。過去 10 年にわたってインディーロックとポップパンクの境界があいまいになっていた中、ザフロントボトムズはインディーフォークの楽器編成でありながら鼻にかかった冷笑と純粋なポップパンクのメロディーで両方のファンにアピールすることができました。『Talon of the Hawk』は、より生々しい初期のアルバムの後、より洗練された後期のアルバムの前にリリースされ、完璧な中間点を占めていました。彼らのプロダクションはこのアルバムほど優れたものはなく、ソングライティングもこれまで以上に強力でした。嫌いになろうとしても嫌いになりにくいアルバムの一つです。メロディーは 1、2 回聞くだけで潜在意識に浸透し、歌詞は面白く、会話的で、真剣なバランスを保っていながら、広く共感できるものでもあります。バンド名から推測できるように、ザ・フロント・ボトムズにはユーモアのセンスを持って臨む必要がある――そしてバンド自身も間違いなくユーモアのセンスを持っている――だが鷹の爪はジョークを飛ばすこともあるが、これほど長く続いたのは、表面に見えるよりもはるかに深いものがあります。

39. ジョイス・マナー - コーディ (エピタフ、2016)

ジョイスマナーの 2011 年のデビューアルバムは、カルト的地位や遺産の中でトップに立つことは決してないかもしれない、ほぼ完璧なインスタントクラシックデビューアルバムの 1 つでしたが、ジョイスマナーはリリース以来、何度も明確な芸術的進歩を遂げてきました。そして現時点では、その芸術的な進歩は 2016 年の Cody でピークに達しました。それまでのジョイス・マナーの音楽のほとんどは、派手で飾り気のないメロディック・パンク/エモだったが、コーディの場合は速度を緩め、エリオット・スミスのプロデューサーであるロブ・シュナップとチームを組み、ネイト・ルースと有名になる前のフィービー・ブリジャーズのバッキング・ヴォーカルを迎え入れて、彼らのこれまでで最も実にゴージャスなアルバム。デビュー作の若々しいエネルギーは、ペースの速いパワーコードと同様に歌詞にも明らかでしたが、コーディはバリー・ジョンソンが叙情的な翼を伸ばしているのを見ました。彼は面白く、機知に富み、内省的で、そして心を痛めることが一度にあり、以前の作品と同じくらい多くの引用可能なワンライナーを詰め込みました。より微調整された叙情性は、コーディの温かみのあるプロダクション、ジャラジャラするギター、そしてフィービー・ブリジャーズが協力したアコースティック曲「ドゥ・ユー・リアリー・ウォント・トゥ・ノット・ゲット・ベター?」のようなパンクの外への進出に完璧にフィットした。（ジョイス・マナーは、過小評価されている2枚目のアルバム『Of All Things I Will Soon Grow Tired』にもクールなアコースティック・ソングを収録していたが、彼らはコーディでそれを本当に完璧に仕上げた。）コーディは、クラシックなジョイス・マナー・サウンドからは明らかに離れていたが、これは通常、ジョイス・マナーにとって必要な動きである。 Joyce Manor のようなバンド -- ストレートなパンクはすぐに停滞してしまいます。もちろん、彼らはよりクリーンなサウンドとスローなテンポを試した最初のパンクバンドではありませんでしたが、コーディで非常に印象的なのは、ジョイス・マナーが完全に自分たちと同じサウンドを保ちながら、彼らの特徴的なサウンドからさらに分岐することに成功したことです。

38.Wavves - Afraid of Heights (ゴーストランプ/ワーナー/ママ+ポップ、2013)

Wavves は、2000 年代後半から 2010 年代初頭のローファイブームの仲間たちよりも、常にもう少しポップパンクなサウンドを響かせていましたが、2010 年の King of the Beach でモダンなローファイサーフパンクのクラシックをリリースした後、彼らはハイファイプロダクションを採用し始め、彼らは実際にポップパンクとして数えられるアルバム『Afraid of Heights』を作りました。これは彼らにとって最高のサウンドのアルバムであり（そして今でもそうである）、そのソングライティングも彼らの最高のままである。ネイサン・ウィリアムズはこの作品で、内なるトム・デロングとビリー・ジョー・アームストロングを完全に受け入れただけでなく、カート・コバーンやリバース・クオモのダークサイドも受け入れた。これはWavvesのLPの中で最も輝かしい外見をしているが、内部は暗い。怠惰なビーチでの日々についての曲が世に出て、内なる悪魔についての曲が登場した。ネイサンはすべてをさらけ出しながら、これまでで最高のフックを書き、リロ・カイリーのジェニー・ルイスのゲスト出演を獲得し、その結果、Wavvesがここにいることを証明するアルバムが生まれた。滞在する。

37. ブルータス - ネスト (サージェント・ハウス、2019)

Brutus のメンバー 3 人は全員、このバンドを結成する前に 10 年以上ベルギーの音楽シーンで演奏していましたが、Brutus はすぐに彼らのメンバーの中で最も野心的な最高のプロジェクトになりました。ドラマー/ボーカリストのステファニー・マナールツはインタビューで次のように述べています。彼らはより複雑なバンドを始めるつもりでブルータスに入り（彼女とギタリストのスタイン・ヴァンホーガーデンは以前『スターファッカー』でシンプルなガレージ・パンクを演奏していた）、2017年のデビュー・アルバム『バースト』で野心を明確にした後、『バースト』で自分たちのサウンドを完全に完成させた。 2019年のセカンドアルバム『Nest』。むち打ち症を誘発するパンク、広がりのあるポストハードコア、雰囲気のあるポストメタル、艶やかなポップなど、あらゆる場所から音楽要素が取り入れられており、ブルータスは中毒性のあるソングライティングと息をのむような音楽性でそれらすべてをまとめています。このバンドのメンバーは全員が完全なプロです。ステファニーの骨が震えるようなドラム演奏は彼女の高く伸びる声とマッチし、スタインは曲を追い越すことなく細断し、彼とベーシストのピーター・モルダースはたった 2 つの楽器でワイドスクリーンのサウンドスケープを作成します。技術的なレベルでは、このアルバムは優れたテクニカルデスメタルと同じくらい印象的ですが、コーラスによってブルータスはロックラジオの他の曲と同じくらい親しみやすくなっています。彼らは2018年にスリースとツアーを行ったが、ネストは私にとって、スリースが2003年の『アーティスト・イン・ザ・アンビュランス』の頃に掻いたのと同じようなかゆみを感じている。このアルバムのおかげで、彼らは当時のエモポップブームに適応することができましたが、彼らの冒険的なソングライティングと技術的熟練により、他の多くのアーティストよりもはるかに長続きすることができました。そして、そのようなメロディックでありながらヘヴィなポストハードコアは、Nest を通じて生き続けています。

36. mewithoutYou - [無題] (Run For Cover、2018)

姿を変えるミーウィズアウト・ユーは、2002 年のデビュー作『A?B』のフガジ風のポストハードコアから、2009 年の『イッツ・オール・クレイジー!』のニュートラル・ミルク・ホテル風のインディー・フォークまで、キャリアを通して素晴らしい音楽をたくさん作ってきました。それはすべて嘘です! それはすべて夢です! 『イッツ・オーライ』以降も、彼らのキャリアのピークは2004年の『キャッチ・フォー・アス・ザ・フォクシーズ』と2006年の『ブラザー・シスター』という2枚のアルバムであり、これまでにもその後にも聴いたことのない方法でアート・ロックとポスト・ハードコアを融合させた2枚のアルバムだった。。これらはカルト的なクラシックですが、それには十分な理由があります。 2009 年にフォーキーな It's All Crazy... で大きく左折した後、mewithoutYou は他のあらゆる種類の音楽を探求し始め、その後ゆっくりとアートロック/ポストハードコアに戻り、2015 年の Pale Horses から始まり、一度ピークに達しました。 2018 年の [Untitled] で再び成功を収めました。これは、[A?B] Life から CFUTF に移行して以来、mewithoutYou が取った最大の飛躍でした。ただし、[無題]は元の状態に戻ったわけではありません。表面的には、それは彼らが最も愛したサウンドへの回帰だったが、それよりもはるかに深いものであった。 [Untitled]は、2006年のmewithoutYouでは作れなかった記録です。このようなアルバムを作るために、彼らは音楽的な変化をすべて経験し、『ブラザー、シスター』以来の12年間に経験したすべての人生経験を積む必要があった。 [無題] to Brother, Sister は、ソニック・ユースの『Murray Street to Goo』のようなものです。『マレー・ストリート』も『グー』の12年後に登場し、ソニック・ユースがファンが最も愛した多くの要素に再アプローチしているのが見られたが、実際には彼らが以前にやったこととは似ていなかった。それは新たな一歩であり、新たな始まりでした。また、SY は 10 年近く続くクリエイティブな活動を続けることになりました。 [無題]があなたなしでも私のためにそれをしてくれることを願っています。（追記：これは私withoutYouが2020年がバンド活動最後の年になると発表する前に書かれたものです。）

35. La Dispute - Rooms of the House (Better Living, 2014)

La Dispute は、2008 年のデビューアルバム「Somewhere at the Bottom of the River Between Vega and Altair」で初めて多くの人々を魅了しました。このアルバムは、ジャンルを飛び越えたポストハードコア/プログレロックアルバムで、まるで私がいないようなサウンドでした。You と Circles Takes The Square は、1 つの巨大なスーパーグループを形成しました。そして、壮大な民話でもあり、日記でもあるアルバムを書きました。 2011年の続編『Wildlife』は、どういうわけかさらにジャンルにとらわれず、より野心的なもので、最も愛された曲は、誤って子供を射殺してしまったギャングメンバーの視点から語られる7分間の大作だった。 La Dispute は、本気で挑戦するバンドとして知られており、フェンスを越えてグランドスラムを達成することもよくあります。だからこそ、彼らがすべてを元に戻してさらに良いアルバムを作ったというのは非常に興味深いことだ。 Rooms of the House は、La Dispute がこれまでインディーロックに最も近づけた作品です。彼らは派手なプログレの傾向を残して、よりシンプルなリズムギターベースのアプローチとより伝統的な曲の構造を好みました。ジョーダン・ドライヤーは叫び声を抑え、歌と話し言葉にもっと集中した。そしてジョーダンは、絶望的な物語を席の端で語るのではなく、人、場所、物に目を向け、小さなことに意味を見出す、ほとんどフィクションのコンセプトアルバムを書きました。前に発売された2枚のアルバムほど強烈さはありませんが、それはそれで、さらに魅力的です。

34. Comadre - Comadre (ヴィトリオール、2013)

ジャック・シャーリーは、デアフヘブン、ジェフ・ローゼンストック、ジョイス・マナー、その他いくつかのバンドとの仕事のおかげで、2010年代で最も人気のあるアンダーグラウンド・ロック・プロデューサーの一人として知られるようになる前、過小評価されているスクリーモ・バンド、コマドルのギタリストであった。彼らのキャリアの中で最高、最も野心的、そして最もユニークなアルバムをリリースしたわずか数か月後の2013年に活動を終了した。彼らは以前は比較的単純なスクリーモバンド (そしてそれが非常に優れたバンド) でしたが、2013 年のセルフタイトルのレコードでは、マーダーシティデビルズスタイルのパンクンロールストンプ、クリーンなゴスロックのバリトン、そしてジャラジャラとしたギター、歪んだキーボード、トランペットのラインは、スクリーモというよりもニュートラルミルクホテルのように聞こえることがよくあります。それから6年が経った今でも、ジャック・シャーリーがパンクシーンでは有名になったにもかかわらず、この珠玉のレコードのようなものはほとんど存在せず、未だに犯罪的に無視され続けている。アレンジはスクリーモのレコードで聞くことを期待するものとはあまり似ていませんが、フアン・ゲイブの喉を引き裂くようなボーカルは、本当にキャッチーになる部分でも、アルバムをその世界にしっかりと植え付け続けます。

33. ザ・ワンダー・イヤーズ - グレイテスト・ジェネレーション (Hopeless、2013)

90 年代後半から 2000 年代前半にポップパンクが爆発的に主流になったとき、ポップパンクは、その名前に「パンク」という言葉を使うには値しないほどジャンルのルーツからかけ離れた、下品なパンクミュージックとしてパンクファンから嘲笑されることがよくありました。しかし、ポップパンクは多くの人々にギターを手に取るよう促し、2000 年代後半から 2010 年代初頭にかけて、ポップパンクをありのままに愛し、それを心のこもった曲を書くための完全に有効な方法であると考える新しいバンドが現れ始めました。共同音楽。これらのバンドの中で最高のバンドはザ・ワンダー・イヤーズであり、真のブルー・ポップ・パンク・バンドとしての最高の瞬間は2013年のザ・グレイテスト・ジェネレーションだった。これはザ・ワンダー・イヤーズの最高のポップ・パンク・アルバムというだけでなく、過去10年間で最高のポップ・パンク・アルバムでもあるので、このジャンルを完成させた後、ザ・ワンダー・イヤーズがその後のアルバムで別の方向に進み始めたのも不思議ではない。私の謙虚な意見では、これまでの彼らの最高傑作は2015年の『No Closer to Heaven』だが、徹底的にポップパンクのアルバムを求めるなら、『The Greatest Generation』以上に優れた作品はない。

ポップパンクを嫌う人たちは、このジャンルについて完全に間違っていたわけではありません。歌詞や制作面など、欠点もあった。しかし『グレイテスト・ジェネレーション』は、このジャンルの典型的な欠点を回避し、他のタイプの音楽では得られないスリルに焦点を当てている。『グレイテスト・ジェネレーション』は、優れたポップ・パンクがそうあるべきであるようによく磨かれているが、多くのポップ・パンクのように過剰にプロデュースされたり、オート・チューンに溺れたりすることは決してない。スティーブ・エベッツ（ライフタイム、セイヴズ・ザ・デイなどのポップパンク風のクラシックを手掛けた）の厚意により制作されたこの作品は、ダン・キャンベルの歌詞と同じくらい人間味があり、恐怖や不安についての衝撃的なほど正直で個人的な物語となっている。現実の世界に入る（TWYの仲間や先祖の多くが書いたような、泣き言や苦い元カレの歌ではない）。「イエス様、私は26歳です/一緒に卒業した人たちは皆子供がいて、妻がいて、夜に帰っても気にしてくれる人がいます/まあイエス様…私は失敗したのですか?」とキャンベルは歌う。、呼吸ごとに何千ものクォーターライフの危機をサウンドトラックします。

32. フォクシング - ディーラー (トリプルクラウン、2015)

フォクシングは2013年に観客を喜ばせたデビュー作『ジ・アルバトロス』をリリースした後、2018年のジャンルを超えたアート・ロックの最高傑作『ニアラー・マイ・ゴッド』をリリースする前に、これまでのディスコグラフィーの中で最も瞑想的なアルバム『ディーラー』をリリースした。収録されている2枚のアルバムのような爆発的なカタルシスを構築するのではなく、ディーラーはフォクシングがポストロックや雰囲気のあるシンガーソングライターの素材を探求し、顔にぶつかるのではなく徐々に引き込まれるような音楽を世に送り出したと見ていた。『Nearer My God』は Foxing の最も実験的なアルバムだが、『Dealer』はおそらく彼らにとって最も「難しい」――いわば――そして間違いなく彼らの中で最も一貫してゴージャスなアルバムである。このアルバムはアートワークの緑と同じくらい豊かで、他の 2 枚のアルバムのような不気味な部分はなく、純粋な音の美しさとコナー・マーフィーのストーリーテリングに頼って夢中にさせており、それは問題ありません。ディーラーは、Foxing が固定化されるつもりはないことを明確にし、それが彼らが最終的に『Nearer My God』のようなアルバムを作るための扉を開くのに役立った。しかし、それは、より近い私の神への道への単なる足がかりよりもはるかに重要です。あれから半年が経ちましたが、エモシーンの内外を問わず、これと似たようなアルバムはまだ存在していません。

31. キャンプ・コープ – 社交的で友達を作る方法 (Run For Cover、2018)

Georgia Maq の歌を聞いた瞬間から、それが特別なものであることがわかります。彼女のひるむことのない叙情性と独特の声質の間に、彼女は作品がすぐに引き込まれ、レコードの再生が終わった後もずっと頭の中に残るようなアーティストです。そしてキャンプ・コープとともに、ジョージアはその声とギターをケリー＝ドーン・ヘルムリッチのスパイダーなベースラインとサラ・トンプソンの力強いドラミングに応用し、この世代で最も特異で強力なパンク・バンドの一つを作り上げた。 2016年のセルフタイトルのデビュー作は素晴らしく、さらに素晴らしい2018年の続編『How to Socialize & Make Friends』では、バンドが依然として明らかに上昇傾向にあることを示している。ジョージアが#MeToo時代のアンセム「The Opener」と「The Face of God」で性差別と戦っているときも、素晴らしいアコースティックアルバムのクローザー「I've Got You」で父親の死を悼んでいるときも、彼女はリスナーを困惑させ続ける。彼女の一言一言に。

30.ミツキ - メイクアウト・クリークにベリー・ミー (ダブル・ダブル・ワーミー、2014)

Mitski が 2010 年代の最も象徴的で決定的なインディーロックアーティストの 1 人になる前に、彼女は当時ほとんど知られていなかったアルバムを 2 枚セルフリリースし、その後 LVL UP の Double Double からリリースされた Bury Me At Makeout Creek で最初のブレイクを果たしました。 Whammy レーベルを設立し、すぐに Mitski はインディー/パンクサークルの常連になりました。彼女が2016年の『Puberty 2』と、さらに広く愛された2018年の続編『Be the Cowboy』をリリースする頃には、もはやミツキをパンクともエモとも呼ぶことはできなくなっていたが、『Bury Me at Makeout Creek』はミツキの以前のアルバムと同じくらいこのシーンのクラシックであり続けている。ビルメイツ・アゲインスト・ミー！そしてジョイスマナー。『Bury Me at Makeout Creek』でさえ、それほどエモではない、と誰かが主張するなら、ある程度は理解できるが、そのドライビングなギターや、「バルコニーから体が落ちるのと同じくらいの速さで落ちる愛が欲しい」のような胸を締め付けるようなラインが印象的だ。「部屋にある装身具以上に手が壊れる必要があるなら/私の心を壊すとき、私の腕に寄りかかってもいいよ。」まさにその通りです。

29. ホワイト・ラング - ごめんなさい (狂った、2012)

ホワイト・ラングがドミノと契約し、クリーナー・プロダクションを採用し、ヒップスターとしての評判が広く知られるようになるまで、彼らはDIYパンク/ハードコア・シーンの常連であり、パンク・シーンが出来なかったのも不思議ではないほど、多くのソング・クラフトと野心にあふれたレコードをリリースした。それほど長くは含まれていません。その後の、より良く制作されたレコードが素晴らしいのと同じくらい、彼らがより生々しい2012年のセカンドアルバム『Sorry』で自分たちのサウンドについてすべてをすでに理解していたことは明らかでした。このアルバムは、フィルタリングされていない鋭い怒り、複雑さにおいてオーケストラに匹敵するギターワーク、そしてアリーナに十分な大きさでありながら小さなパンクショーに最適なコーラスを備えて完成しました。全体としては 20 分未満のわずか 10 曲で構成されており、むち打ち症を誘発する 1 つの曲が次の曲にぶつかり合います。7 年半経った今でも、予測可能であると感じたり、古くなったりすることはありません。パンクでしか得られない、短く、大音量で、速いスリルを提供しますが、野心的なギターワークと、これほど忠実なパンクではめったに見られない怪物的なフックが含まれています。

28. ビーチスラング – こんなに壊れたものを誰が望むだろうか？ EP (デッド・ブローク、2014)

厳しいスタートを切るバンドもいるが、Beach Slang は初の 4 曲入り EP でボトルの中に稲妻を表現しており、それは今でも彼らのこれまでで最高の作品である。主要メンバーのジェームス・アレックスは90年代のポップ・パンク・バンド、ウェストンに所属していた。バンドは名声を少しずつ掴んだ後、ちょうど仲間たちが本格的に軌道に乗り始めた頃に解散したが、ギターを手にするまではしばらく沈黙を保っていた。 2013年、彼がこれまでに書いた中で最高の曲を披露した。彼はドラマーの JP フレクスナー (Ex Friends) とベーシストの Ed McNulty (Crybaby、NONA) をレコーディングに採用し、「Who would Ever Want Anything So Broken?」をレコーディングしました。うまれた。この曲はアイアン・シックのギタリスト、マイク・ブルーノの小さな『デッド・ブローク・レカーズ』からリリースされ、最初は業界特有の話題にはならなかったが、噂はパンクのアンダーグラウンドで狂ったように広がり、最初の曲では人々が狂ったように叫び続けた。小さなショー。何かとても特別なことが起こっていることはすぐにわかりましたが、それはすべてこの 4 曲が完璧であるためでした。ジェイムズはパンクロックへの愛、無謀な若さ、毎晩地球上で最後であるかのように生きることを利用し、それらの感情をリプレイスメンツやジョウブレイカーへの崇拝と組み合わせ、すぐに馴染みがありながらも可能な限り新鮮に聞こえました。実際のリプレイスメンツと同様、ビーチスラングがビール漬けのロックンロールソングを永遠に書き続けるのは困難でした。彼らは数多くのラインナップ変更を経ており（オリジナル・メンバーはジェイムズだけが残っている）、最後のアルバムはジェイムズが過去のビーチ・スラングの曲を簡素化したバージョンを演奏したほぼソロアルバムだった。もしかしたら、いつかこのクラシックなラインナップが再結成されるかもしれないが（ザ・リプレイスメンツが最終的にそうなったように）、それまでは「Filthy Luck」、「Kids」、「Get Lost」、「Punk or Lust」を演奏するだけでいい。彼らがショーごとに煽り立てた、酔って汗だくのモッシュピットに自分を連れ戻してください。

27. スリーター・キニー - ノー・シティーズ・トゥ・ラヴ (サブ・ポップ、2015)

90年代の多くのパンクバンドが2010年代に待望のカムバックを果たしたが、スリーター・キニーほど順調に進んだバンドはなかった。早速、スリーター＝キニーは同日、再結成ツアーとニューアルバムのリリースを発表した。彼らの再会は決して郷愁を誘うものではなく、クラシックに特化したデートを一度もすることはなかった。ツアーが始まる頃には『No Cities To Love』がリリースされており、2005年のセットリストがザ・ウッズのものであったのと同じくらい、セットリストもこのアルバムに特化したものになっていた。このようなことをやり遂げることができるバンドは多くありませんが、スリーター・キニーはそれができました。なぜなら、『No Cities To Love』は彼らのベストアルバムと同等だったからです。非常に多くの素晴らしい曲が積み重ねられており、どれもスリーター・キニーの古典的な曲と同じ強力なフックと同じ目的意識を持っています（そしてさらにギターの英雄的行為）。このアルバムは、あまりに自然かつ急速に、このバンドのすでに実り豊かなディスコグラフィーの重要な部分となったため、すぐに「再結成アルバム」であることを忘れてしまう珍しい再結成アルバムです。

26. タイタス・アンドロニカス - ザ・モニター (XL、2010)

バンドが『ザ・モニター』のようなアルバムを作ろうとするのは日常的ではないので、タイタス・アンドロニカスのように、アルバムに挑戦して見事に成功したときは、ただ時間をかけて大切にしなければなりません。 2008年のよりローファイなバンドのデビュー作『The Airing of Grievances』から大きく前進した『ザ・モニター』では、タイタスが強烈なパンク、スプリングスティーン風のハートランド・ロック、野心的なソング・サイクルを取り入れ、内戦を結びつけたパンク・コンセプトのレコードを発表した。現代の生活にも反映されており、本当に揺るぎませんでした。ゲストシンガー、バグパイプ、ストリングス、ホーンなどの作品が参加し、その音楽的野心は激しいギターソロと、パトリック・スティックルズが安い席の人々のために叫んでいる轟音のコーラスによってマッチしていた。タイタスが成長したインディー・ロック・シーンは抑制を実践していることでよく知られているが、『ザ・モニター』は2010年代の実際のアリーナ・ロックのレコードのほとんどと比べても抑制が少なかった。完璧に制作されており、単語や音符の一つ一つにこだわりを持って作られているように聞こえ、そして本当にキャッチーでもあります。それはタイタス・アンドロニカスを巨大なものにしたはずであり、そうではなかったとしても、少なくともカルト的な古典になりました。この10年間、『アメリカン・イディオット』っぽくない野心的なコンセプト・アルバムを書きたいと考えていたほぼすべてのパンクっぽいバンドにとって、このアルバムは試金石となった。しかし、この曲が愛され、影響力を持つようになったにもかかわらず、これほどのサウンドのアルバムを実際に作った人はいない――タイタス・アンドロニカス自身さえも――誰もいない。

25. ベスト・コースト - クレイジー・フォー・ユー (メキシコの夏、2010)

『Crazy For You』がリリースされたとき、それはトレンディでサーフィーなローファイブームの一部であり、当時のポップパンクバンドとはまったく関係がありませんでしたが、ベサニーコセンティーノの曲作りから明らかでした。 Coast のソロプロジェクトには Pure Volume のページがありました。彼はポップパンクのファンで、ブリンク 182 をカバーし、グリーンデイやパラモアとツアーを行ったので、彼らは常にある種のポップパンクバンドであったことを認めてもいいと思います。心臓。しかし、それよりも重要なのは、このアルバムがどれほど影響力を持ち、それがどれほど維持されているかです。明らかに、ベスト・コースト以前にもパンクやインディー・ロックを演奏する女性はたくさんいたが、クレイジー・フォー・ユーは、ブリンク182やグリーン・デイが成人期の男性の不安に対して行ったのと同じ欺瞞的な単純さで、成人期の女性の不安を利用した。 90年代にロックは死んでいない、ロックは女性によって支配されていると批評家が宣言できる時代への扉を開くのに貢献した。メロディーとコード進行は、50年代/60年代のロックンロールやガールズグループを思い起こさせるラモーンズスタイルの伝統に基づいていたが、このアルバムでは、パートナーからの電話を待っていることや、自分の相手ほど魅力的ではないことなども扱っていたクラッシュはこのような記念碑的なものとデートしており、それはかなりエモです。それに加えて、この曲にはとんでもなくキャッチーなフックがあり、おそらく10年経った今でも頭から離れないでしょう。アルバムのどの曲もヒットできたかもしれないと感じるし、たとえプロダクションのせいでこのアルバムが、10年代の多くのインディーズとパンクのクロスオーバーよりもはるかにインディーズ・ロックになったとしても、私はビリー・ジョー・アームストロングとマークに賭けたいと思う。ホップスは、この10年間にこれほど完璧なコーラスを書いてほしかったと願っている。

24. コンバージ - オール・ウィ・ラヴ・ウィ・リーヴ・ビハインド (エピタフ、2012)

いつもこのようにうまくいくとは限りませんが、Converge では、彼らのキャリアの 10 年ごとが別々の章となっています。 90年代、彼らはラインナップの変更を経ながらも自分たちのサウンドを模索していた（そしてその過程で何度か金メダルを獲得していた）。 2000年代には、ジェイコブ・バノン、カート・バルー、ネイト・ニュートン、ベン・コーラーのラインナップを固め、世代を決定づけた2001年の『ジェーン・ドゥ』から2009年の野心的な『アックス・トゥ・フォール』まで、次々と名作をリリースした。この10年間、彼らは作品の制作スピードを少し落としており（しかしメンバーは数多くのサイドプロジェクトでも非常に多作だった）、彼らが出した2枚のアルバムはおそらく常に「アフター・ザ・クラシック」アルバムとして知られるだろう。ただし、それは品質が低いという意味ではありません。 Converge はもう少し落ち着いたサウンドです。彼らはキャリアの中で、たとえばザ・ナショナルと同じような時期にいる。どちらのバンドも、前作のアルバムを上回ることや新たなクラシックを書くことにはあまり関心がなく、自分たちの世界の中で活動し、自分たちが最も得意なことをすることだけに関心があるようだ。これにより、Converge は少しリラックスしたように見えますが、それは必ずしも音楽自体が遅くなったり、攻撃的でなくなったりすることを意味するものではありません。「Coral Blue」のように、それはバンドのキャリアの中で最も純粋なポップな瞬間かもしれないが、それでも『All We Love We Leave Behind』は強烈で非常にヘヴィなアルバムである。燃えるようなアルバムのオープナー「Aimless Arrow」のマスパンクから、ハイテクでリフが際立つ傑出した「Sadness Comes Home」、そしてレンガのように重いクローザー「Predatory Glow」まで、『All We Love』は Converge の評判を高めるだけだパンクとメタルの最も強力なバンドの1つとして。この時点で彼らは年長者の政治家ですが、自分自身を証明することに飢えている若いバンドと同じくらい創造性と先進性を持っています。

23. PUP – Morbid Stuff (リトルディッパー/ライズ、2019)

これらの10年分のリストでは、ほんの数か月前に発売されたアルバムと、すでにクラシックのように感じられる10年前のアルバムを比較するのは常に困難ですが、場合によっては、Morbid Stuffと同じくらいすぐにクラシックになったアルバムを入手すると、それはすでに測定されていることを知っています。 PUPは最初の2枚のアルバムのおかげで、すでに2010年代のインディー・ポップ・パンクをリードする存在の1人になっていたが、2019年4月にリリースされた『Morbid Stuff』は、登場と同時に前作2作を圧倒した。この2枚のアルバムとほぼ同じ種類の拳を振り上げたパンク・アンセムを、より大きく、より良く、よりタイトに、よりスマートに提供している。 PUP は、世界で最も驚くほど独創的なバンドになろうとしているわけではありませんが、実証済みのポップパンクの公式に独自のひねりを十分に加えているため、最終的には他の誰にも似ていないサウンドになっています。そして、彼らはサウンドを作成し、アルバムからアルバムへと磨き続け、毎回飛躍的に良くなるバンドの1つです。この調子で続ければ、最終的には Morbid Stuff もトップになるだろうが、現時点ではトップに限りなく近いところにいる。 2010年代はパンクの優れたレコードをたくさん提供してくれたが、モービッド・スタッフはすでにそれらのベスト盤を使ってパワーコードにパワーコードを重ねることができる。

22. タイガース・ジョー - チャーマー (Run For Cover、2014)

『チャーマー』はタイガース・ジョーの最後のアルバムになる可能性もあったが、代わりに新たな始まりとなった。このアルバムは、ベン・ウォルシュ、ブリアナ・コリンズ、アダム・マキルウィー、デニス・ミシュコ、パット・ブライアーというクラシックなラインナップで録音された最後のアルバムとなったが、後者の3人はリリース前にバンドを脱退したが、タイガース・ジョーに次への扉を開いた。これまで以上に多くの視聴者にリーチできます。チャーマーの登場後、タイガース・ジョーは、最初の 3 枚のアルバムを生み出した時代のようなニッチなインディーパンクバンドではなくなりました。彼らは広く批評家から高い評価を得るようになり、これまで以上に大きな会場で演奏するようになり、最終的にはメジャーレーベルと契約を結びました。（その間ずっと、元共同フロントマンのアダム・マキルウィーは、エモラッププロジェクト「ウィッカ・フェイズ・スプリングス・エターナル」の注目を集め始めた。）そして、なぜそれが起こったのかというと、チャーマーにはタイガース・ジョーがこれまでに書いた最高の曲が含まれているからだ。彼らの2008年のセルフタイトルのセカンド・アルバムは、一部の人々の間ではすでにクラシックとなっているが、粗雑で欠陥のあるクラシックであり、おそらく発売当時と同じようにニッチなものであり続ける運命にあるだろう。チャーマーはタイガースのジョーがプロのように聞こえるのを見た。彼らはメロディーと歌詞を書いており、ザ・キュアやザ・スミスのようなバンドと同じ不機嫌なポップ・ミュージックの系譜に位置することになった。これらは、（タイガース・ジョーがやったように）アコースティック・ギターだけで演奏されたら部屋が静まり返るようなインスタント・クラシックのような曲ですが、（ウィル・イップによって）アレンジされ、プロデュースされるとさらに良く聞こえました。彼らがチャーマーにいたときのように。 Tigers Jawも2017年の非常に優れた『Spin』で同様のアプローチをとったが、アダム、ベン、ブリアナ、パットが全員『Charmer』で歌っているため、このバンドのキャリアの決定的な記録となっている（少なくともこれまでのところ）。彼らの声はこのレコードよりも良く聞こえ、彼らの歌はこれまで以上に力強く感じられました。バンドの半数以上が、制作中にすでに脱退することを知っていたとは信じがたい。

21. Touché Amore - ブライトネスと私の間で海を分ける (Deathwish、2011)

『明るさと私の間で海を分ける』のようなタイトルのアルバムの割に、これらの曲がどれほど簡潔さに依存しているかに驚かれるかもしれません。前半（「～」から「メソッド・アクト」まで）は一連の曲として扱われ、2 分未満の各曲が直接次の曲に続き、リード・シャウターのジェレミー・ボルムが息つく間もありません。これらの曲の中には、ヴァースやコーラスを必要としないほど短いものもあります。ポイント A からポイント B に移動し、次のポイントに進みます。ただし、「短い」と「シンプル」を混同しないでください。これらの小さな叙事詩が集まると、驚くほど広大な範囲をカバーする全体が作成されます。雰囲気のあるゆっくりとしたポストロックと高速パンクの両方がこのアルバムに存在し、時には同じ曲にも使われます。そして、『Parting the Sea』は時々、それ自体の利益のためにあまりにも野心的になる恐れがありますが、決してそうではありません。このアルバムをリリースして以来、Touche は前進を止めず、ますます領域をカバーしていますが、たとえ「Parting the Sea」が彼らの最高傑作ではないとしても、それは常に彼らの最も古典的なものであり続けるかもしれません。このアルバムでジェレミーが叫ぶすべてのラインは、ショーでこれらの曲を彼の顔に向かって叫び返す何千人もの子供たちのものであるのと同じように、それが彼のものであるように感じます。『Parting the Sea』では、次から次へとクラシックな曲が容赦なく提供されます。このアルバムが発売されたのがつい昨日のことのように感じる一方で、まだ8年しか経っていないなんて信じられない。これらの曲は、2 倍または 3 倍古い曲と同じくらい、ポストハードコアの DNA に組み込まれているように感じられます。『Touche Amore』のすべてのアルバムと同様、『Parting the Sea』は圧倒的に個人的なものだが、このアルバムでは他のどのアルバムよりも、ジェレミーはほぼ普遍的に共感できる絶望の感情をうまく利用している。

20. ザ・ワンダー・イヤーズ - ノー・クローザー・トゥ・ヘブン (Hopeless、2015)

過去10年間で最高の真っ青なポップパンクレコードを書いた後は何をしますか？人々があなたのバンドについてすでに愛しているものを放棄することなく、ジャンルに完全に挑戦するさらに良いレコードを書きましょう。それが、ザ・ワンダー・イヤーズが、2年前に「ポップ・パンクを守る」という全体像にほぼ終止符を打った『グレイテスト・ジェネレーション』の続編『ノー・クローサー・トゥ・ヘヴン』でやったことだ。『No Closer To Heaven』は、『The Greatest Generation』（そして優れたポップパンクアルバム）と同じ快楽ポイントをすべて満たしています。アドレナリンが刺激されるリズムセクションと、心臓を撃ち抜かれたような歯切れの良いパワーコードがあり、ダン・キャンベルが声が割れるまで緊張させながらも、透き通ったサウンドを保っているが、それだけではない。前作よりもダイナミックで、雰囲気があり、音楽的に多様性があり、より壮大なサウンドのアルバムとなっています。これはザ・ワンダー・イヤーズが最もリスクを冒しているように見えるアルバムであり、それゆえに欠点もある。しかし、『グレイテスト・ジェネレーション』のような完璧な作品の後では、時には欠点が欲しくなることもあります。ある意味、欠陥があるからこそ『The Wonder Years』はより良くなるのです。それによって、彼らのサウンドはより生々しく、よりリアルで、より人間的になり、感情的なレベルにおいては、このアルバムはまさにそれ以外の何ものでもありません。ダンが「シガレッツ＆セインツ」で亡くなった友人を追悼するシーンは、最もシニカルな音楽リスナーの心の琴線に触れるだろう。

19. ホテル経営者 - 良さ (Tiny Engines、2016)

エモは若者向けのジャンルであることが多いため、これらのバンドの多くは若いうちに注目を集め、良いバンドが目の前で劇的に進化するのを見ることになります。（エモ 101: バンドのデビューアルバムが気まぐれなポップパンクだからといって、そのバンドが 5 年以内に素晴らしいアートロックのレコードをリリースしないというわけではありません。）そして、The Hotelier もそうしたバンドの 1 つです。どのアルバムも過去から大きく飛躍していました。彼らのデビュー作は2011年の『It Never Goes Out』という一般的なエモっぽいポップパンクで、その後2014年にさらに強力でよりユニークな『Home, Like Noplace Is There』が続いた。そしてこれまでのところ彼らの最高傑作は2016年の『Goodness』であり、アルバムの枠を超えている。特定のサブジャンルを網羅しており、アンダーグラウンドロック全体の記念碑的なアルバムのように感じます。これは、フォーク/ポストロックの間奏、鮮やかなイメージ、そしてバンドのキャリアの中で最高のソングライティングとプロダクションを備えた、温かみのある雰囲気のあるレコードです。彼らはデビュー作ですでに急上昇するフックの書き方を学んでいましたが、『Goodness』では、それらのフックを複雑なアレンジメントと独創的な曲の構造に織り込みました。これは、ペットサウンズ以来、音楽オタクを魅了してきた古くからのアプローチです。根底にポップソングを備えた実験主義で、ラジオで流すにはあまりにも奇妙でありながら、ラジオで流れるものと同じくらいキャッチーなものを生み出しています。ホテル経営者は、そのアートポップの考え方をパンクとエモの原動力となるカタルシスに適用する方法を考え出し、その結果、心、心、内臓を一度に襲うレコードが誕生しました。

18. ワクサハッチー - セルリアンソルト (ドン・ジョバンニ、2013)

人気のインディーポップパンクバンド PS Eliot が 2016 年に再結成してディスコグラフィーコンピレーションをリリースしたとき、Don Giovanni Records のジョースタインハートは彼らを「この世代の Cap'n Jazz」と呼びました。もしそうなら、ワクサハッチーはおそらく私たちのオーウェンとアメリカンフットボールを組み合わせたものになるでしょう。 PS エリオットのシンガー、ケイティ・クラッチフィールドは、PS エリオットが解散するちょうどその頃（そして彼女の双子の妹で PS エリオットのバンドメイトであるアリソンがスウェアリンを始めた）、ソロ・プロジェクトとしてワックスハッチーを立ち上げ、2012 年にベッドルーム・フォークのデビュー作『アメリカン・ウィークエンド』をリリースした後、『アメリカン・ウィークエンド』をリリースした。ややバンド寄りの『セルリアン・ソルト』は、今でも彼女がこれまでに作ったアルバムの中で最もユニークで、最も心を痛めるアルバムである。ケイティはスウェアリンの3人のメンバー（アリソン、カイル・ギルブライド、元メンバーのキース・スペンサー）とラジエーター・ホスピタルのサム・クック・パロットとともにこのアルバムを制作したが、それでも、ワクサハッチーが次にリリースする2枚の肉付けされたアルバムよりもはるかに必要最低限のものだった。それは「フルバンド」というより「一種のバンド」であり、「ブラザー・ブライアン」のような曲は、シンプルなベースライン、キックドラム、スネアによって刺激され、それでいて大量の曲よりもインパクトがありました。他のより充実したサウンドのレコード。ワクサハッチーはその後、より音楽的に野心的な領域に進みましたが、このレコードに込められた感情は依然として最も強力です。これは、困難な状況を経験し、誰かが理解してくれていると感じる必要があるときに自分自身を埋めるような種類のレコードです（オーウェンのレコードが前の世代のものだったように）。音的にも歌詞的にも、それは誰かの日記から切り取ったページを見つけるのと同じくらい正直で不完全です。過去 7 年間、この作品が多くの人たちに、生の、正直で、DIY 精神を持ったレコードを作るきっかけを与えたと言っても過言ではないと思います。

17. アメリカンフットボール - LP3 (ポリビニール、2019)

アメリカン・フットボールが2000年に解散したとき、彼らの1999年のデビュー・アルバムには目立った傷跡はほとんど残っていなかったが、今日ではおそらくこのアルバムが2010年代のエモに最も影響を与えたアルバムとなっている。何百ものバンドがそれをコピーしましたが、アメリカンフットボール自身が登場するまでは、その魅力を真に表現できるバンドはありませんでした。彼らのカルト的な地位はさらに高まり、2014年についにライブで再結成し、2016年のLP2でサビを磨き、2019年のLP3でキャリア最高のアルバムを作りました。アメリカンフットボールは、マスロック、ポストロック、エモのブレンドの先駆者となり、楽器編成の面では大きな偉業でしたが、フロントマンのマイクキンセラが実際に歌い、歌詞とコーラスを書く方法を学んだのは、ソロプロジェクトオーウェンを開始するまででした。それは彼のうっとりとしたギター演奏が脳に与えたのと同じ衝撃を心に残した。アメリカン・フットボールが再結成したとき、彼とバンドの残りのメンバー（マイクのいとこで長年のコラボレーターである新ベーシストのネイト・キンセラを含む）はこれら 2 つの要素を統合し始め、LP3 で完成させました。このアルバムには、アメリカンフットボールを非常にユニークで影響力のあるものにしたマスロックの象徴がまだ残っていますが、LP3 が成功しているのは、以前のアメリカンフットボールのアルバムを再現しようとしているわけではないからです。アメリカン・フットボールは 90 年代よりも 2010 年代のバンドとして長く活動しており、今の自分たちが何者なのかをよく理解しています。彼らは20年前の自分たちへのノスタルジーだけを頼りに生きているわけではない。『LP3』は、ポストロック/マスロック/エモアルバムであると同時に、ドリームポップアルバムでもあります。これはバンドがこれまでに作ったアルバムの中で最高にプロデュースされ、最もゴージャスなサウンドのアルバムであり、「アメリカン・フットボール・アルバム」というものの意味に限界を設けていない。グロッケンシュピール、児童合唱団、そしてパラモア、スロウダイブ、ランド・オブ・トークのメンバーからの著名なゲスト・ボーカリストが参加しており、彼らの声はマイク・キンセラの声と同じくらいこれらの曲に欠かせないものです。 LP3 は決して LP1 ほどの文化的重要性を持たないかもしれませんが、芸術的に言えば大きな進歩です。

16. ピアノが歯になる - Keep You (エピタフ、2014)

ハードコアバンドが叫ぶのをやめるときはいつでも、大勢のファンに別れを告げる危険があるが、ピアノズ・ビカム・ザ・ティースにとってはリスクを負う価値はあった。彼らは2014年の『キープ・ユー』でスクリーモのルーツを残し、ベスト・アルバムをリリースした。キャリア。 1年前にTouche AmoreとのPBTTの重要な2013年のスプリット7インチからの「Hiding」で明らかになったように、リードスクリーマーのカイル・ダーフェイは、ええと、ずっと素晴らしい歌声を隠していました。そして、よりクリーンなボーカルがカイルの歌詞をより前面に押し出すようになりました。「これまでになく、彼がいかに強力な作詞家になったかがさらに明確になりました。アルバムの大部分はカイルの父親の死についてのものですが、彼はその感情の重みを、日常の些細な細部を通して伝えました。」沈む/あなたはとても若くて、痩せていて、すぐに笑いました」と彼は歌い、悲しみをより直接的に反芻するよりもさらに強く心に刺さります。カイルは人生で最高のフックと最高の抒情のいくつかを書きました。そしてPBTTの残りのメンバーは、最初の2枚のアルバムで磨き始めたヘヴィなポストロックのスタイルを完成させていた（秘密兵器ではないが、現代のポストハードコアで最も才能のあるドラマーの1人であるデヴィッド・ハイクの助けを借りて）楽器編成は曲の内容と同じくらいドラマティックですが、過度にドラマチックではありません。情熱的でカタルシスがあり、完璧な演出が施されています。人間の本当の感情を最も純粋な形で捉えており、このアルバムほどそれをうまく表現できるアルバムは珍しいでしょう。

15. 女性戦争 - キャプチャー・ザ・フラッグ (ブリッジ・ナイン、2018)

「正直に言うと、ウォー・オン・ウィメンと同じことをやっている人は実際にはほとんどいない」とウォー・オン・ウィメンの2枚目のアルバム『キャプチャー・ザ・フラッグ』の「YDTMHTL」でゲストボーカルを歌っているキャスリーン・ハンナは語った。このバンドであなたを売り込むには、フェミニストパンクの伝説だけでは十分ではありません、何が売れるかわかりません。 War On Women のメンバーはこれまでいくつかの注目すべきバンドに所属していましたが、このバンドを結成して以来、2010 年代が提供しなければならなかった最も強力なフェミニストパンクバンドの 1 つとして浮上しました。彼らの政治的姿勢は歌詞においても活動家としての活動においても妥協を許さず、ショーナ・ポッターが1800年代に遡る不正義から今日私たちが現在も経験している不正義について叫び声を上げて歌うと、悪寒を感じずにはいられない。そして、War On Women は、非常に強力なメッセージを非常に強力な文章で裏付けています。彼らには、盤石のリズムセクション、焼けつくようなギターソロ、ラジオ対応のフックがあり、もしラジオで実際にパンクバンドが流れていたら、War On Women は有名になっていたかもしれません。 2010 年代のラウドで顔に向かって中指を立てたパンクに関して言えば、キャプチャー・ザ・フラッグより優れたものはほとんどありませんでした。

14. 回転木戸 - 時間と空間 (ロードランナー、2018)

歴史は繰り返され、90 年代初頭のハードコアバンドがスローテンポ、メタルのフラッシュ、ポップなコーラスなどの実験を始めたのと同じように、約 25 年後にはハードコアバンドも同じことをやり始めました。 Turnstile は 2010 年のデモでハードコアシーンに登場し、2018 年のセカンドアルバム『Time & Space』までに、前述したことやそれ以上のことをすべて行って、これまでで最高の曲を書き上げました。 Time & Space は、同様の創造的な決断を下した 90 年代のバンドのように聞こえることがよくありますが、Turnstile はまったく新鮮に聞こえながらそれを行う方法を見つけ出しました。彼らはハードコアのルーツをそのままに、一緒に歌える曲を書き、エアギターを弾いても弾けるような細断されたギターソロを作り、頭を叩きつけるような激しいリフを書きました。彼らはサイケデリアや R&B などにも取り組み、どういうわけか完全にうまくいった方法でディプロをレコードに収録することさえできました。彼らは今でも根っからのハードコアだが、2018年2月にこのジャンルを無視したレコードをリリースしたとき、彼らはこのジャンルの未来のように聞こえた。約2年が経った今でも、彼らはまだそうしています。

13. ホップ・アロング - ゲット・ディスオウン (ホット・グリーン、2012)

この 10 年間で最も愛されたインディーロックバンドの 1 つとなる前に、ホップアロングはパンクと DIY シーンを駆け抜け、たくさんの小さなルームで演奏し、希望するあらゆるバンドの前座を務めました。彼らはもう前座ではありません - 今では定期的にまともな規模の会場でヘッドライナーを務めています - しかし、この10年代の前半には、ホップアロングは厳重な秘密でした。まだインディーズ向けのハイプマシンとしての話題はあまりありませんでしたが、古き良き口コミのおかげで野火のように広がりました。たとえ彼らが大きな会場で3つの会場のうちの1番目にいたときでも、常にフロント近くには一語一語叫んでいる人々のグループがいた。このバンドが躍進する運命にあることは常に明白であり、それは『Get Disowned』の楽曲がどれほど完璧に近かったかによるものであった。一夜にしての成功とは真逆に、ホップ・アロングはフランシス・クインランのソロ・プロジェクトとして2000年代半ばから活動しており（当初はホップ・アロング、クイーン・アンスリースとして知られていた）、彼女は10代で2005年のソロ・アルバム『フレッシュマン・イヤー』といくつかのEPをリリースしたが、2012年の『Get Disown』は彼らのフルバンドデビューアルバムであり、まさにすべての始まりとなったアルバムです。彼らは最終的にサドル・クリークと契約し、長らく待ち望まれていたブレイクを果たし、2016年に同レーベルが『Get Disowned』を再発した際には大絶賛を獲得することになる。しかし当初、『Get Disowned』はアルジャーノン・キャドワラダーの今はなきアルバムからリリースされた。レーベルはホット・グリーン・レコードで、永遠にアンダーグラウンドに留まるにはもったいないようなアルバムだった。傑出したアルバム『チベタン・ポップ・スターズ』でフランシスが「私ほどあなたに値する人はいない」と叫ぶのを聞くと、なぜこのバンドがかつてエモとみなされていたのかを思い出させられるが、ゲット・ディスオウンにはニュートラル・ミルク・ホテル風のフォークな側面もある。後のアルバムよりも荒廃的で素朴なエッジを与えている。彼らは2015年の『Painted Shut』でサウンドを引き締め、2018年の『Bark Your Head Off, Dog』ではこれまで以上に野心的な領域にうまく乗り出したが、『Get Disowned』の生々しく謙虚な魅力により、このアルバムは当時と同じくらい宝石であり続けている。静かに解放されました。

12. パラモア - アフター・ラフター (ラーメンによる燃料、2017)

2000 年代半ばから後半にかけての、洗練された超主流のポップパンクはあまり良い評判を得ていませんでしたが、パラモアは常に他のバンドよりも優れていました。そして、5枚目のアルバム『After Laughter』では、シンセポップとニューウェイヴに足を踏み入れながらも、世界のどのバンドとも似ていないサウンドを響かせ、最もポップパンクを嫌う音楽ファンや批評家でさえも認めざるを得ないほど創造性の頂点に達した。何か素晴らしいことをした。このアルバムには、より「ヒップ」な表現が含まれているため、「ポップ・パンク」というとひるむ人々にとっても理解しやすいものになっているが、『アフター・ラフター』は、引用せずとも「クール」だからという理由だけで、まだパラモアの最高傑作というわけではない。ヘイリー・ウィリアムズはこのアルバムでこれまで以上に魅力的なボーカリストとなり、バンド史上最強のソングライティングを実現している。ヘイリーの憂鬱な歌詞は、明るく甘美なメロディーと伝染性のリズムで覆い隠されており、このアルバムでもそうであったように、これは長寿を確保するのに役立つトリックであることがよくあります。これらの曲は、最初に聴いた瞬間にあなたを魅了し、その叙情的な深みにより、曲の持つ感情的な重みをさらに探求するためにずっとぶらぶらし続けます。特に、2005 年のパラモアのように、どこからともなく現れてデビューと同時に超人気を集めた場合、すぐに落ちぶれる可能性が高いというのが常套句です。しかし、パラモアは12年後にベストアルバム（現時点で！）を作成しました。まだ始まったばかりのような気がします。

11. アゲインスト・ミー! - トランスジェンダーディスフォリアブルース (トータルトレブル/エクストラマイル、2014)

Transgender Dysphoria Blues はカムバックというよりも、Against Me! の第二の人生の始まりでした。 2000 年代初頭に人気のアンダーグラウンドフォークパンクバンドとして活動を開始した後、2000 年代後半から 10 年代初頭にかけてメジャーレーベルとの分裂があった時期を経て、歌手のローラジェーングレースがデビューしたため、音楽活動を少し休止していました。トランスジェンダーであることをカミングアウトした最も注目度の高いロック歌手の一人。同じ頃、メジャーレーベルとの契約が終了し、ラインナップが変更され（そしてアゲインスト・ミー!はドラムウィザードのアトム・ウィラードを確保した）、その後新しく改良されたアゲインスト・ミー!がリリースされた。彼らが作った最高のアルバム『トランスジェンダー・ディスフォリア・ブルース』を書いた。この曲は、ローラのカミングアウトと性転換を正面から取り上げていることが多く、同時に亡くなった友人への賛歌（「Dead Friend」）や、この10年で最も偉大なパンクロックのファックユー（「Black Me Out」）への賛歌としても機能している。この種のことについて書くのは簡単なことではありませんが、ローラはそれを鋭く書き、その過程でいくつかの決定的なトランスパンクアンセムを生み出しました。もちろん、その主題がこの作品を重要なものにしている大きな部分を占めていますが、それだけが理由ではありません。このメッセージは、Against Me! のキャリアの中で最高のソングライティングとプロダクションによって表現されています。

10. メンジンガーズ - 不可能な過去について (エピタフ、2012)

彼ら以前のガスライト・アンセムと同様に、メンジンガーズの公式はシンプルでした。ザ・バウンシング・ソウルズやランシッドのようなバンドのメロディック・パンクを取り入れ、スプリングスティーンのブルーカラーのハートランド・ロックを少し加え、そしてあなたが知っているストーリーを語ります。そして、メンジンガーズは『オン・ザ・インポッシブル・パスト』で、前述の先人たちに匹敵するほどすぐにクラシックなレコードを書き上げ、それは今も続いている。『オン・ザ・インポッシブル・パスト』は、ひどい落書きで覆われたブルックリンのダイナー、駐車場、マッスルカー、屋上、そしてクリスという名前の男が開いたパーティーで行われます。ノスタルジーに満ちていて、古い写真のように、非常に具体的なストーリーが満載です。他の思い出と同様、特に一生思い出せないような夜について歌っている場合には、そうした細部のいくつかはおそらく少しロマンチックなものになるだろうが、『On the Impossible Past』には嘘や不正直さは感じられない。アメリカの小さな町の生活の描写に共感できないとしても、その感情はほぼ普遍的です。自信喪失から自己治療、若い恋から失恋まで、『不可能な過去』はどこでも起こり得る人生経験を利用しており、脳が自分自身の曖昧な過去と融合し始めるような方法でそうしています。メンジンガーズの曲の鮮やかな設定。これらの曲は、人生の困難な時期にあるときに本当に大きな意味をもつ可能性があります。しかし、たとえそうでなかったとしても、とてもキャッチーであるという理由だけで、頭の片隅に残る可能性が高いです。

9. タイトルファイト - フローラルグリーン (SideOneDummy、2012)

Title Fight は、Lifetime や Kid Dynamite などの影響を受けたメロディックハードコアバンドとして登場し、2010 年代半ばから後半にかけて多くのパンクバンド仲間が夢中になったパンクとシューゲイザーのクロスオーバームーブメントのリーダーとなりました。そして、その中間に彼らの大作『フローラル・グリーン』が登場した。これは、最終的に後のタイトル・ファイトを定義づけることになるシューゲイザーとオルタナティブ・ロックの影響を暗示しながらも、バンドの強烈なパンクのルーツを完全に取り入れたものだった。言うまでもなく、彼らはキャリアの中で最高の曲を書きました。より遅いテンポを試し、雰囲気に大きな関心を寄せたことで、タイトルファイトはキャリアの中で最も強力なソングライティングを輝かせることができました。ネッド・ラッシンが「同情なんて望んでいなかった / ただ何かになりたかっただけ」と歌うとき、どういうわけか喉が渇きながら叫び、同時にため息をつきながら、彼は史上最高のエモ・バンドと同じくらい強く心の琴線に触れる。そして、『タイトル・ファイト』が「Numb, But I Still Feel It」、「Lefty」、そしてアルバムのハム調の目玉曲「Head in the Ceiling Fan」のような芸術的な曲でパンクの過去から分岐したとき、これは圧倒的に明らかになった。すでにパンクとエモの枠を超えたバンド。彼らは基本的に、最近の記憶の中で最高のインディーロックアルバムの 1 つを作成し、パンクとエモの世界全体に大きな変化をもたらすのに貢献しました。影響が直接的かどうかは別として、2010年代のパンク/エモバンドがインディーズ、アートロック、ポストロック、シューゲイザーのレコードを作り始めたとき、少なくともその一部はフローラル・グリーンのおかげだった。

8. ジョイスマナー - ジョイスマナー (6131、2011)

Joyce Manor がニッチなパンクやエモのサークルの外で人気を博すまでには少し時間がかかりましたが、クオリティの点で、彼らは 2011 年のセルフタイトルのデビュー作で勢いよく門を出ました。彼らはその後、10 年代で最も安定して収益をあげたロックバンドとなり、アルバムごとに興味深い方法でサウンドに磨きをかけ、拡張し続けましたが、主なアイデアはデビュー曲の 18 分間にすでに存在していました。そして48秒間のほぼ完璧なパンクの連発。 90 年代のポップパンクとエモのメロディーと引用可能な叙情性、そして Guided by Voices のローファイな簡潔さを借用したジョイスマナーのデビュー作は、インディーズとパンクのクロスオーバーの過去 10 年全体の青写真を書くのに役立ちました。ポップパンク、エモ、インディーロックの間の境界があいまいになることは今では当たり前のことだが、ジョイス・マナーがデビューアルバムでそれをやったとき、それは革命的だと感じた。これらのジャンルのどれがジョイスマナーを最も正確に表しているのかはまだ完全にはわかりませんが、それは実際には重要ではなく、それが重要な点です。それまでの他のさりげなく革新的なバンドと同様に、ジョイスマナーは自分たちが愛するすべての音楽を一度にチャネリングしただけで、その結果はまったく新鮮なものになりました。彼らのスタイルはすでに何百回も複製されていますが、その本質は複製されていません。ジャンルを曖昧にした外観の下には、多くのバンドが夢見るだけのソングライティングの天性の才能が隠されていました。テンポの速いジョイスマナーには、ファンのお気に入りが次々と登場します。もしジョイス・マナーがベスト盤をリリースすることがあれば、おそらく何の関心も持たずにこのLPの全曲を収録できるだろう。そしてそれはすべて、彼らがこれまでに書いた最初の石のように冷たい名曲であり、おそらくバンドとして今でも最高の瞬間である「Constant Headache」につながります。 3 分というこのアルバムの他の曲の約 2 倍の長さです。少しゆっくりめで、バリー・ジョンソンの言葉に本当に呼吸の余地を与えており、ベリーが空虚さを歌った史上最高のワンライナーを披露するにつれて、ベースとボーカル以外のすべてが落ちていく、削ぎ落とされたブリッジで最高潮に達します。一夜限りのスタンド。子供たちが酔っ払ってお互いの心を壊している限り、このような曲は必要とされるでしょうし、「Constant Headache」は依然として最高の曲の1つです。

7. 世界は美しい場所&私は死ぬことを恐れていない - 無害 (エピタフ、2015)

『Harmlessness, The World Is a Beautiful Place & I Am No Longer Afraid to Die』は、素晴らしいが非常に不完全なフルレングス、あまり楽しくないスポークンワード EP など、いくつかの有望な EP をリリースしていました。リードボーカルのトム・ディアスの脱退。彼らは、まさに史上最高の名盤をリリースする寸前にあるようなバンドではなかったが、それがまさに彼らがやったことであることが非常に興味深い理由だ。『Harmlessness』はTWIABPにとって、より大きなEpitaph Recordsからリリースされた最初のアルバムだったが、TWIABPは他のすべてのことと同じDIYアプローチを採用し（自分たちのChris Tetiがプロデュース、ミキシング、エンジニアリングを行った）、それでも彼らはより良い曲と、より良い曲を世に送り出した。これまで以上に野心感が高まりました。新しいリードボーカリストのデヴィッド・ベロはバンドのサウンドに完璧にフィットし、肉体的および精神的健康との闘いなどの重いテーマにうまく取り組み、キーボード奏者兼ボーカリストのケイティ・ドヴォルザークはエモ・リバイバルの最大の反性的暴行賛歌の一つを彼とデュエットした。」 2014年1月10日。」感情の複雑さに合わせて、フォーク、ポストロック、メタル、インディーロック、パンク、エモ、ポストハードコアなどから引き出された音楽的背景があり、これらすべての異なるサウンドの間を飛び交う様子を楽に見せました。このアルバムは決して停滞することはありませんが、前作と同様に最後にピークに達します。『Whenever』の最後には、ポスト・ロッキーの長い曲が 1 曲ありました。無害には2つあります。どちらも大きく影響していますが、一番良いのは「I Can Be Afraid of Anything」です。音楽が明るくなり、TWIABPが「本当に自分で穴を掘った/這い上がっている」と叫んだとき、私たちはそれを感じました。

6. Touché Amore - Is Survived By (デスウィッシュ、2013)

『Parting the Sea Between Brightness and Me』は今でも多くのファンのお気に入りの Touche Amore アルバムであり続けていますが、これはおそらくこのアルバムが彼らにとって最も個人的なアルバムの 1 つであるためでしょう。これは、あなたが困難な時期を経験しているときに書くようなアルバムであり、何千人ものファンがそれぞれの困難な時期を経験しているときに共感するようなアルバムです。しかし、すでにその記録を書き終えて、今は幸せですが、自分の遺産に傷がつくのではないかと心配になったらどうしますか? Touche Amore の場合、幸せなときに書くのがどれほど難しいか、そして自分の遺産が将来どうなるかについて心配することについて記録を書きます。そして、Touche Amore の場合、その過程で自分のレガシーを強固にするアルバムを作ることになります。このアルバムがそれらのことだけを歌っていると言うのは少し還元的だが、ジェレミー・ボルムが父親になることへの恐怖を歌った「DNA」のような、より個人的な曲もあるが、それが主要なテーマであることは間違いない。そして、彼の文章は、第四の壁を突破したときも、自分自身の内なる混乱に巻き込まれたときと同じくらい強力であることが判明した。そして音楽的には、『Is Survived By』は『Parting the Sea』から明らかに成熟したものでした。プロダクションは豪華で（サニーデイ・リアル・エステートやミーウィズアウトユーなどとも仕事をしているブラッド・ウッドのおかげで）、メロディーはこれまでよりも力強く、バンドはこれまでよりもタイトに演奏しました。『Parting the Sea』よりもさらに、Touche Amore は『Is Survived By』でハードコアとポストロックの境界線を曖昧にし、前者のように速い曲、後者のように栄枯盛衰のある曲を世に送り出しました。（このアルバムは、同じ年に同じレーベルから発売された Deafheaven の『Sunbather』と特に相性が良かったアルバムで、『Is Survived By』と同様に水彩風のアートワークがあり、どちらも Touche の Nick Steinhardt がデザインしたものでした。Deafheaven は黒人かもしれません）メタルとトゥーシェはハードコアかもしれないが、どちらもメロディーと攻撃性を、異なる点よりも似た点で組み合わせたものである。) Is Survived By は 6 年前にリリースされ、この時点で、世の中にはたくさんの音楽があるので、私はそうは思わない最近は、2013年ほどこの曲を聴きません。でも、アルバムのオープナー「Just Exist」の冒頭のドラムフィルを聞くとすぐに、初めて再生をクリックしたときの場所に戻ります。この傑作について。

5. フィービー・ブリジャーズ - アルプスのストレンジャー (デッド・オーシャンズ、2017)

今年、フィービー・ブリジャーズはコナー・オバーストとの新しい共同プロジェクトであるベター・オブリビオン・コミュニティー・センターで多忙を極めており、フィービーは同世代のコナー・オバーストのような存在なので、これはぴったりだ。コナーは『ブライト・アイズ』で、コントロールできない感情をすべて捉えた静かなシンガー・ソングライターの歌を世界中の若者たちに提供し、2017年のデビュー・アルバム『ストレンジャー・イン・ザ・アルプス』（コナーもゲスト参加）でフィービーは同じことをした。。フィービーには、言葉が普遍的な感情を反映する賢い方法を見つけ出し、メランコリックなメロディーがそれらを届けるのに最適な器である曲を書く能力があります。フィービーが「私は感情的な乗り物酔いをしている/誰かが窓を下ろして」と歌うとき、彼女はアウェイ・メッセージ時代のエモ・バンドが過去10年間に書いたものと同じくらい象徴的な一節を披露した。そして、ストレンジャーが提供する引用可能なワンライナーはこれだけではありません。このアルバムは、ほぼすべての曲が、ある時点で私のお気に入りだったアルバムの 1 つであり、これを感じているのは私だけではないと思います。これにより、彼女は優れたソングライターであり、優れた通訳者としての地位を確立しました。最後から 2 番目のトラックとしてマーク・コズレックの「You Missed My Heart」をカバーしたとき、彼女はそれを完全に自分のものにしただけでなく、オリジナルを超えたかもしれません。当然のことながら、このリストにはソロアーティストよりもバンドの方が多く含まれていますが、エモには、何千人もの人々がすべての言葉を自分の言葉であるかのように歌わせる、静かなシンガー/ソングライター、あの悲痛なシンガーが必要です。 2010年代、そのシンガー・ソングライターはフィービー・ブリジャーズでした。

4. クラウド・ナッシング - アタック・オン・メモリー (Carpark、2012)

ある意味、『アタック・オン・メモリー』は、パンク、エモ、ポスト・ハードコアなど、過去10年間に批評家によって一般的にゴミにされたり完全に無視されたりしていたジャンルのアルバムを、この10年間に批評家に受け入れさせるきっかけとなったような気がする。彼らは、パンクの傘下でレコードを出した2000年代後半から10年代前半の最初の重要なインディーズ最愛のバンドではなかったし、エモのリバイバル（クラウド・ナッシングスは決してそれに当てはまらなかった）はいずれにしてもブレイクスルーの瀬戸際にあった。『アタック・オン・メモリー』は、多くのインディー・ロック・ファンや批評家がこのような強烈でカタルシスのあるレコードを切望していることが圧倒的に明らかになった瞬間のように感じた。クラウドナッシングスは、2000 年代後半の話題のローファイブームから生まれましたが、『アタックオンメモリー』では、トレンディな特徴をすべて捨て、キャリアの中で最も広く愛される最高のレコードを世に送り出しました。この作品は、初期作品のローファイインディーポップを捨て、刺激的なポストハードコアを支持し、ニルヴァーナからソニックユース、ウィーザー、サニーデイリアルエステートに至るまで、90 年代のさまざまなロックバンドの要素をある意味で結び付けました。それは、あなたが必要としているとは知らなかったノスタルジーと、最も新鮮な新しいロックレコードの両方のように感じました。彼らはスティーブ・アルビニと協力してこの作品を制作しました。彼の生々しい、必要最低限のスタイルとキラーなスネア・サウンドは、パンチの効いたフック（「フォール・イン」、「ステイ・ユースレス」）の間をシームレスに飛び跳ねるレコードに完璧にフィットし、魅惑的なノイズ・ロック（「ウェイステッド・デイズ」） ")、ダークなポストハードコア ("No Future/No Past")、不安に満ちたグランジ ("No Sentiment") など。これは、これらすべての音楽をインディーロックの時代精神に戻すのに役立ちましたが、このジャンル内で大きな変化を起こすきっかけとなったからといって、アタックオンメモリーが成功したわけではありません。この10年間にリリースされた最も輝かしく、情熱的で、いつまでも聴き続けられるロックレコードのひとつとして、今日でもその地位を保っている。

3. ジャパンドロイド - セレブレーション・ロック (ポリビニール、2012)

このリストの中で、Celebration Rock ほど正確なタイトルのアルバムはないかもしれません。まさにこのアルバムがやっていることだ。それはロックンロールからのみ得られる純粋なスリルを称賛します。すべての曲（最初は過小評価されていたアルバムに近い「Continuous Thunder」を除く）は 11 まで上げられ、ジャパンドロイドの 2 人のメンバーが少しだけ早く演奏しようとお互いに挑戦しているかのように演奏されます。彼らは、ファンがショーでどのように一緒に歌うかを考えようとしたため、すべての「おっと」を含めたと述べています。彼らは文字通り尻の下に火を灯したリプレイスメンツのような、拳を振り上げるハートランド・パンク・アンセムをアルバムに詰め込み、「地獄からのハートが今夜火のハイウェイで衝突する」や「地獄へヒッチハイクして、風に乗って戻ってきて / 世代のかがり火が始まるのを待っています。」この 8 曲は、見栄をすべて取り除いた、ロックの最も楽しい部分をすべて集めたように聞こえます。アートロックやサイケポップのようなものがまだインディーロックを支配していた 2012 年に、この曲は新風のように感じられ、クラウドナッシングスのアタックオンメモリーとともに、現代のインディーロックが受け入れられる扉を開くのに役立ちました。実際にロックした音楽。しかし、それが何年も経っても持ち続けているのは、それがあまりに激しく揺れ動いているからだけではなく、すべての騒ぎの裏で、ジャパンドロイドが核心に耳を傾けた人の心を揺さぶるのに十分な生の感情を伝えていたからである。「これは生気のない人生で、与えられる住所も決まっていない / でも、もうあなたのために死ぬべきではない、だから私は生きなければならない」とブライアン・キングは最後から2番目の曲「The House That Heaven Built」でドラムが鳴り響きながら叫ぶ。これは、この10年間に録音された最も人生を肯定する言葉のひとつだ。

2. Foxing - Nearer My God (トリプルクラウン、2018)

2000 年代後半に「エモリバイバル」が始まったとき、それは新しいバンドの波がエモをアンダーグラウンドに戻し、ポップではなくアメリカンフットボール、キャップンジャズ、ブレイドなどのバンドから影響を引き出す方法でした。 2000 年代半ばにこのジャンルをアリーナに持ち込んだロックバンド。しかし最終的には、アンダーグラウンドエモバンドのこの新しい波に属する少数のバンドが、このジャンルに対して、後ろ向きではなく前向きな、より独創的な解釈を提供し始めました。まだ誰もそれに名前を付けていません。おそらく「ポストエモ」が普及するでしょうが、「リバイバル」という言葉はそれに近いものではないはずです。どう呼びたいにせよ、この 10 年間を通じて数多くの素晴らしい音楽が生み出され、少なくとも今のところは、フォクシングの素晴らしい 3 枚目のアルバム『Nearer My God』が最高潮に達しました。ほとんどの素晴らしいアルバムと同様、『Nearer My God』はジャンルを超えています。実際、このアルバムはまったく「エモ」に分類されるべきではないという十分な根拠があります。 Nearer My God の「エモリバイバル」は、OK Computer のブリットポップとグランジのようなものです。根はそこにありますが、その根をほとんど定義できない領域に連れて行ってしまいます。 OK Computer と同様に、Nearer My God もあらゆる音楽スペクトルを取り入れており、一見矛盾したスタイルの音楽を、どういうわけか自然に感じられる方法でまとめています。そして、M83からテレビのラジオ、ブラッド・ブラザーズ、フランク・オーシャンまであらゆるものと比較できるが、ニアラー・マイ・ゴッドはフォクシング以外のどのバンドにも似ていない。彼らは、自分たちの影響を誇らしげに身に着けているバンドのシーンでスタートしましたが、成長し、真に自分たちのものと言えるサウンドを世に送り出しました。驚くほど独創的で、非常に実験的でありながら、どういうわけか高級ワインのように飲みごたえがあります。何度聴いても、私やあなたと同じ地球を歩む人間が作ったアルバムだということが頭の中に収まらないアルバムの一つです。

1. ホワイト・ラング - ディープ・ファンタジー (ドミノ、2014)

『The Shape of Punk to Come』について重要なのは、それはこれから来るパンクの形ではなかったということだ。その後、パンクの人気はさらに高まりましたが、そのアルバムのように聞こえるものはどれもありませんでした。 2014年にホワイト・ラングがサード・アルバムをリリースし、ドミノがデビュー作『ディープ・ファンタジー』をリリースしたとき、もしかしたらこれが来るべきパンクの形になるのではないかと考えた。まあ、これもそうではないことが判明しました。これは2014年のパンクの未来のように聞こえましたが、2019年の今でもパンクの未来のように聞こえます。それをコピーしようとする勇気のある人は誰もいなかったからです。 Deep Fantasy は、2012 年の優れた前作 Sorry と同じことをすべて行いましたが、より良いプロダクションとさらに卑劣な曲を備えていました。まったくひどい話で申し訳ありませんでしたが、「Drown with the Monster」がその低く轟くパワーコードのリフでディープファンタジーの幕を開けると、まったく別の獣に出会っていることがわかります。『Sorry』と同様に、ディープファンタジーのホワイトラングは、ショート、ファスト、ラウドのパンクという実証済みの公式に巨大なフックと顔が溶けるような透かし彫りを適用する方法を見つけ出し、ジャンルに挑戦し、それに厳密に従うことに成功しました。一斉に。『Deep Fantasy』の曲は『Sorry』と同じくらい激しいが、プロダクションはその曲の最高のものを引き出すのに非常に役立っており、このアルバムが（これまでよりわずかに耳に優しい）ホワイト・ラングのより大きなファン層を獲得するのに役立ったのは驚くべきことではない。。そして、過去の偉大なハードコアバンドやパンクバンドと同様に、White Lung は自分たちのプラットフォームを利用して、現状に真っ向から反対する必要なメッセージを増幅させました。 #MeToo と #BelieveWomen のハッシュタグが急速に広まる数年前、ホワイト・ラングはディープ・ファンタジーのハイライト「I Believe You」で両方の本質を捉えていた。これはレイプ文化を取り上げたもので、もしそうなら #MeToo 運動への賛歌になっていたかもしれない。数年後にリリースされていました。『ディープ・ファンタジー』はトランプ以前のアルバムで、（悲しいことに）トランプの時代になってからその関連性が高まったばかりで、この10年間にリリースされた本物のパンク・ミュージックの最高の例である。それは決してパンクの未来ではないかもしれないが、それでもその後にどのようなパンクになったよりも優れているように聞こえる。

さらに 10 年間のリストについては、2010 年代のベストラップおよび R&B アルバム 100 枚を参照してください。

Pillars of Eternity 2: Deadfire のコンソールコマンドとチート

Pokémon Go: イーブイの進化ガイド

ニュース

2010 年代のパンク & エモ ベスト アルバム 100

2010 年代のパンク & エモベストアルバム 100